головные уборы 18-21 веков. Шляпки и сегодня один из главных трендов сезона.

Публикации раздела Музеи

На Руси ходить с непокрытой головой испокон веков было не принято. Кокошник, кика, повойник, наконец, платок — вот традиционные головные уборы русских красавиц.

Мода изменилась в XVIII веке, в эпоху правления Петра I, прорубившего окно в Европу, приказавшего брить бороды и высочайшим указом повелевшего на ассамблеях появляться в европейском платье. Дамы и кавалеры стали щеголять в заграничных нарядах и париках. Со временем парики сменили пышные и высокие прически с украшениями в виде вазонов с цветами, корзин с фруктами и даже морских фрегатов в волосах… После Французской революции 1789 года на смену «старорежимным вавилонам» на голове пришли более элегантные укладки в стиле а-ля грек.

И веют древними поверьями
Ее упругие шелка,
И шляпа с траурными перьями,
И в кольцах узкая рука.

Впрочем, всевозможные головные уборы и аксессуары для причесок, будь то цветы, ленты, муслин или диадемы, сохраняли свою актуальность в течение всей первой половины XIX столетия. Некоторые из этих украшений успешно перекочевали в век ХХ, а затем и в век XXI. Про шляпки и говорить не приходится: став как бы необязательным предметом женского гардероба, они были и остаются главной страстью настоящих модниц.

А современным модельерам, кажется, и не надо долго думать, чтобы вдохновиться, — достаточно заглянуть в бабушкин сундук или повнимательнее рассмотреть полотна известных живописцев.

Великая княжна Александра Павловна причесана по моде 80-х годов XVIII века — куафюра средней высоты и лента с цветами. Цветок или несколько и сегодня станут прекрасным украшением для женской головки.

В. Боровиковский. Портрет княжны Александры Павловны. 1796. Третьяковская галерея

Фотография: Денис Раев / фотобанк «Лори»

Начало XIX века — время моды на все античное. Дамы избавились от корсетов и громоздких причесок, обрядились в легкие платья-туники, а для тепла накинули кашемировые восточные шали. Другая дань Востоку — тюрбаны. Считается, что в России они стали популярны благодаря писательнице мадам де Сталь, которая явилась на бал в большом и красном экзотическом головном уборе. На портрете Владимира Боровиковского она тоже изображена в тюрбане, но небольшом, намотанном по типу чалмы и украшенном жемчужной фероньеркой (цепочка с кулоном, спускающаяся на лоб). Шляпка-чалма и сегодня один из главных трендов сезона.

В. Боровиковский. Портрет Анны Луизы Жермены де Сталь. 1812. Третьяковская галерея

Шляпка-чалма

В эпоху ампир прическу любили украшать колосьями пшеницы, цветами, лентами, фероньерками и диадемами. Вечерний выход и в XXI веке не обходится без высокой прически с локонами и цветочной диадемы, как на портрете княгини Аделаиды Голицыной.

П. Соколов. Портрет княгини Аделаиды Голицыной. 1821

Фотография: Людмила Дутко / фотобанк «Лори»

Княгине Авроре Демидовой очень к лицу тюрбан с бахромой, который и в конце 1830-х еще оставался в моде. А современным барышням достаточно обмотать вокруг головы яркий шарф — и вот он, вожделенный тюрбан!

К. Брюллов. Портрет княгини Авроры Демидовой. 1837. Нижнетагильский музей

Фотография: Альбина Типляшина / фотобанк «Лори»

Со временем тюрбан трансформировался в пышный берет, который украшали перьями или бантами. В малиновом берете пришла на бал и Татьяна в романе А.С. Пушкина «Евгений Онегин». В аналогичном головном уборе изображена и графиня Анна Орлова-Чесменская. Сегодня дамы носят беретки всех цветов и самых разных фасонов — от пышных вязаных с помпоном до строгих и классических из фетра. Особо смелые по-прежнему предпочитают красный.

И. Баженов. Портрет графини Анны Орловой-Чесменской. 1838. Рыбинский художественный музей

Фотография: Phovoir Images / фотобанк «Лори»

Начало ХХ века — это начало «прекрасной эпохи». Дамы Belle Époque одевались строго: завышенная талия, тонкий рукав, длинные узкие юбки, чуть расходящиеся книзу… Избежать излишней чопорности помогали пышные шляпы. Правда, дочь живописца, Надежда Репина, изображена не в пышном головном уборе, а в элегантной летней шляпке. Такую и сегодня надеть не грех. Разве что сместить ее слегка с затылка на лоб.

И. Репин. На солнце (Портрет дочери художника). 1900. Третьяковская галерея

Фотография: Виноградов Сергей / ТАСС

Княгиня Ольга Орлова — пример модницы «прекрасной эпохи». Такие пышные широкополые шляпы украшали перьями или цветами, а зачастую и чучелами птиц (вспоминали, по-видимому, ушедшую эпоху рококо). Конечно, крепились такие объемные конструкции при помощи длинных шпилек и булавок, которые были небезопасны для окружающих. Именно поэтому в 1912 году городское управление в Санкт-Петербурге и Москве запретило дамам в шляпах с длинными булавками ездить в городском транспорте — «во избежание травм населения». Пышные шляпы и сегодня очень актуальны, особенно на светских раутах вроде лошадиных скачек. И что хорошо, их не надо крепить опасными для жизни булавками.

В. Серов. Портрет княгини Ольги Орловой. 1911. Русский музей

Фотография: Сергей Виноградов / ТАСС

1930-е годы — время, когда тон жизни задает джаз, кинематограф и спорт. В Голливуде блистают Грета Гарбо и Марлен Дитрих, у нас — Любовь Орлова. СССР еще не за железным занавесом, а потому художник Александр Дейнека путешествует в 1934–1935 годах по США, Франции и Италии. Его парижанка наверняка занимается спортом, а вечером надевает свободное платье, шляпку-таблетку и оправляется танцевать. Эти шляпки, один раз войдя в моду, остались в ней навсегда.

А. Дейнека. Парижанка. 1935. Русский музей

Фотография: Nick Dale / фотобанк «Лори»

Теги:

ПортретыЖивописьПубликации раздела Музеи

Зачем нужен художник-модельер? . Ребенок в мире взрослых. Рассказы о профессиях

Наверняка каждый из вас хотя бы раз видел по телевизору показ мод. Одежду на этих показах демонстрируют манекенщицы. Их задача – так показать предметы одежды, чтобы они понравились зрителям и те захотели их купить. Обычно показ новых коллекций одежды, в том числе и детской, устраивают один или несколько художников-модельеров.

Кто же такой художник-модельер? Чем он занимается?

Художник-модельер – специалист, творческий работник в области моделирования (проектирования) одежды. Моделировать – значит создавать модель, образец одежды, обуви или аксессуаров.

Еще в древности мудрецы утверждали, что одна из характерных способностей, которая делает человека человеком, это его стремление хорошо выглядеть, умение одеваться. Каждый из нас хотел бы одеваться удобно и красиво. Изготовление одежды – одно из древних ремесел мира. Столетиями оно существовало как кустарное производство, все операции которого выполнялись одним мастером-портным.

Затем на смену кустарному (домашнему, ручному) пришло массовое производство одежды, возникшее впервые во Франции. Сегодня в производстве одежды участвуют разные специалисты: художники, конструкторы, технологи, портные-лаборанты, лекальщики и др.

Главная роль в создании одежды принадлежит художнику-модельеру. Он создает модель, которая затем воплотится в какой-то предмет одежды. Он несет ответственность за формирование привлекательного внешнего облика человека.

Благодаря его работе люди выглядят красиво, узнают особенности своей внешности, находят свой стиль в одежде, который отличает их от других.

Основная цель деятельности модельера – создание направлений одежды и разработка новых моделей одежды.

Свои коллекции модельер готовит к каждому сезону и представляет их на показах также по сезонам. Делается это заранее, чтобы швейные мастерские и фабрики своевременно могли сшить эту одежду. Для тех, кто не может попасть на показ коллекции, издаются журналы, в которых помещаются фотографии с новыми моделями. У известных художников-модельеров есть и свои фирменные магазины по всему миру.

Художник-модельер – творческий человек. Он придумывает новую модель, представляя ее сначала в своем воображении. Обладая развитым художественным вкусом, художник-модельер делает не только удобную, но и красивую, радующую глаз одежду. Он изучает особенности костюма, созданного мастерами в разные времена, в том числе и в старину. Художник стремится к тому, чтобы современный костюм соответствовал образу жизни человека сегодня, а также роду его деятельности. Ведь художники-модельеры разрабатывают не только повседневные и праздничные модели одежды, но и рабочие, в том числе и для военных.

У каждого художника-модельера свои стиль и направление в моде. Кто-то больше работает над выходным дорогим костюмом, кто-то в основу ставит национальный костюм, а кто-то создает модели, доступные любому покупателю. Модники узнают одежду известных модельеров не только в магазине, но и на любом человеке. Художник-модельер постоянно находится в поиске новых идей, принятии ответственного, часто необычного решения. Не всем могут понравиться предложенные модели, например, шляпы в виде ракеты или кочана капусты.

Сначала он рисует новую модель с помощью карандаша или кисти, создает эскиз (предварительный набросок). Над рисунком можно долго работать, стирая линии и дорисовывая снова. Продумываются каждая деталь костюма, цвет, фактура ткани, аксессуары. Рисовать модель художник может и на компьютере. Затем делается выкройка изделия. Раньше ее делали вручную, но теперь, конечно, используют компьютерные программы. Они позволяют сделать очень точную выкройку деталей костюма.

Очень важные личностные качества художника-модельера – самостоятельность, независимость, целеустремленность и настойчивость. Новую коллекцию одежды может ждать успех, а может и провал.

Далее в дело вступают закройщики и портные. Когда костюм сшит, его примеряют и при необходимости вместе с модельером дорабатывают.

Часто художники-модельеры для своих коллекций одежды заказывают специальные ткани. Эти ткани мастерицы могут расшивать или украшать вышивкой, стразами или другими элементами, часто вручную. Художник разрабатывает и подбирает все необходимые материалы для новой коллекции. Он продумывает все: от ткани до пуговиц, ниток, пряжек, других отделочных элементов. К костюму подбираются обувь, головной убор, сумочка и другие дополнительные детали.

Если модель одежды предназначена для массового производства на швейных фабриках, художник-модельер готовит образец такой одежды. Важно, чтобы созданная модель продавалась. Поэтому художник-модельер постоянно изучает спрос на нее, т. е., хорошо ли ее покупают. При необходимости что-то изменяет в коллекции.

Художник-модельер может работать на предприятии легкой промышленности (швейной фабрике), в ателье, в редакции журнала мод, театре (сценический костюм), на предприятии народных промыслов (народный костюм и декоративное оформление текстильных изделий), преподавателем моделирования одежды и специальной графики в высших и средних специальных учебных заведениях.

Вот какая интересная профессия! Надевая каждый день одежду, мы не задумываемся над тем, кто ее создает. Теперь вы знаете, что первым из создателей является художник-модельер.

Вопросы и задания

? О каком художнике вы узнали из рассказа? Чем занимается художник-модельер?

? Какие этапы создания новой модели одежды вы запомнили?

? Какие личностные качества нужны художнику-модельеру? Почему? Где он может работать? С работниками каких профессий сотрудничает художник-модельер?

? Почему работа модельера творческая? Почему она важна для людей?

? Рассмотрите предложенные журналы мод. Найдите модель, которая вам больше всего понравилась. Расскажите о ней.

? Представьте себя художником-модельером и сделайте эскиз вашей модели.

Словарная работа: художник-модельер, манекенщица, изготовление одежды, модели одежды, эскиз, выкройка, показ мод, журналы мод, закройщики, портные, моделировать, придумывать, рисовать, национальный костюм, швейные фабрики, ателье, мастерские.

Как добавить абстрактные узоры к вашим произведениям искусства — Искусство — это весело

Когда вы думаете об узорах в искусстве, вам могут прийти в голову абстрактные узоры. Но это не значит, что узоры только появляются в абстракционизме — они могут быть частью самых разных художественных стилей, включая даже фотореализм. На этой странице я покажу вам несколько примеров того, как я использую узоры в своих работах, чтобы дать вам представление о том, как вы можете включать узоры в свои работы.

Акриловая картина от Thaneeya McArdle

Первое: что такое шаблон?

В искусстве узор представляет собой повторение определенных визуальных элементов.

Определение слова «узор» на сайте Dictionary.com:

1. расположение повторяющихся или соответствующих частей, декоративных мотивов и т. д. чувство гармонии. Возможно, именно поэтому в узорах так много выпускного

   Художественные узоры со всего мира

   Одеяло навахо

   Узоры в искусстве появляются во многих формах искусства по всему миру, от подробных геометрических исламских мотивов до симметричных узоров на тканых одеялах Наджаво и современных художественных рисунков, которые вы увидите на этой странице. Каждая культура имеет свой особый набор народных узоров, которые появляются на текстиле, архитектуре, рукописях, масках и других предметах.

   Узоры в современном искусстве могут придать сильный элемент интереса картине, рисунку или произведению в смешанной технике. Во многих случаях узоры образуют основной интересующий элемент композиции.

   Нажмите здесь, чтобы научиться рисовать узоры шаг за шагом !

   Если вы хотите узнать о нескольких способах включения узоров в свое искусство, читайте дальше!

     Узоры в искусстве Тании МакАрдл

   Давайте начнем с некоторых моих абстрактных работ, где я использую узоры много .

   На самом деле узор является одним из основных визуальных элементов, используемых художниками-абстракционистами (наряду с цветом, формой, линией и текстурой) для создания привлекательных композиций.

   Взгляните на эту картину ниже:

   Акриловая картина от Thaneya McArdle

   Закономерности довольно очевидны, верно?

   Эта абстрактная картина акриловыми красками состоит из нескольких рядов узоров – простых и сложных. Например, оранжевые круги вверху очень просты по сравнению со сложными разноцветными узорами мандалы в центре картины.

   Это самый простой способ использования узоров в искусстве — ряды повторяющихся элементов. Несмотря на то, что формула довольно проста, картина по-прежнему привлекательна и привлекательна благодаря ярким цветам и разнообразию простых и сложных узоров.

   Вот еще одна абстрактная картина с еще более простыми узорами:

   Абстрактная акриловая картина от Thaneya McArdle

   Как и предыдущая картина, эта также имеет ряды узоров, хотя они более тонкие и менее детализированные, чем предыдущая.

   Сможете определить узоры на этой картине?

   Сверху вниз посмотрите на:

   • Ряд квадратов и прямоугольников вверху, обведенных белым цветом

   • Оранжевые и желтые цветочные узоры

   • Ряд белых точек, плавно поднимающихся вверх и

   • Изящные медные узоры по бокам элегантного малинового/розового мотива

   • Чередование красных и желтых квадратов

   • Светло-голубые овалы внизу, обведенные более темно-синим цветом

   Большинство этих узоров отделены друг от друга линией или пространством однотонного цвета. Это помогает разбить пространство и смягчить влияние узоров, особенно на контрасте с предыдущей картиной над этой.

   Теперь рассмотрим круговые или концентрические ряда узоров:

   Рисунок мандалы от Thaneeya McArdle

   На первый взгляд эта картина может показаться более сложной, чем две предыдущие, но это только потому, что рисунки круглые. Эта картина мандалы по-прежнему основана на рядах узоров — просто ряды теперь круговые или концентрические.

   Обратите внимание на узоры на этой картине, начав с середины и двигаясь наружу:

   • Посмотрите на чередующиеся розовые и желтые лепестки, растущие из центра,

   • , за которыми следуют светло-розовый и темно-розовый узор.

   • Далее следует белый неровный узор, а затем

   • круглый ряд розовых и малиновых точек.

   • Сразу за ним вы видите круговой ряд зеленых треугольных фигур, перемежающихся ярко-желтыми кругами…

   • …и т.д.

   Видите, когда разбиваешь такую ​​картину на отдельные составляющие, то, что сначала казалось сложным, на самом деле оказывается довольно простым?

   Так весело «распутывать» картины!

   Давайте посмотрим на другую абстрактную картину:

   Маленькая абстрактная акриловая картина от Thaneya McArdle

   Эта картина очень похожа на предыдущую, за исключением того, что здесь две разные мандалы, и вы видите только ¼ каждой, потому что каждая мандала спрятана в углу.

   Я уверен, что вы легко разберетесь с узорами в этом!

   Теперь давайте взглянем на более свободную версию паттернов в искусстве:

   Абстрактная акриловая картина от Thaneya McArdle

   Эта картина отличается от предыдущих тем, что она не содержит рядов узоров — вместо этого узоры более свободно текут, зацикливаются и игриво кружатся на холсте.

   Можете ли вы указать узоры на картине выше? Они покрывают весь холст своим петлевым, закрученным образом. Большинство узоров включают в себя круги, линии, выпуклости, волны и треугольники.

   Вот похожая картина (ниже), полная плавных узоров:  

   Акриловая абстрактная картина Тании МакАрдл

   Какой рисунок больше всего выделяется на картине выше?

   Вы, наверное, согласитесь, что извивающийся сквозь композицию черно-белый узор выглядит очень смело по сравнению с разноцветными узорами.

   Еще один момент, который следует учитывать при создании узоров в искусстве: хотите ли вы, чтобы одни узоры выделялись больше, чем другие, и если да, то как вы можете это сделать?

   Такие элементы, как цвет и сложность, будут играть большую роль в том, что узоры в искусстве привлекают больше внимания, чем другие.

   Еще один способ рисовать узоры в искусстве — скомпоновать их в блочную композицию:

   Акриловая картина от Thaneya McArdle

   Картина выше содержит множество различных узоров, сгруппированных «блочным» образом, почти как стеганое одеяло.

   Итак, вы познакомились с четырьмя способами создания узоров в абстрактном искусстве:

   1. в рядах

   2. в «Концентрических рядах», или кольцах

   3. в свободном пути

   4. в блочном стиле

   Теперь подкатируйте реферат на рефераты в артации. включать элементы реализма:

   Акриловая картина от Thaneya McArdle

   Акриловая живопись выше представляет собой сочетание моего абстрактного искусства и фотореалистического искусства, стиля, который я назвал составным искусством или составным реализмом.

   Посмотрите, как я использовал узор в этой работе:

   Фотореалистично нарисованная овца стоит перед красочным абстрактным фоном, заполненным плавными узорами. Ближе к верху холста я нарисовал горизонтальный ряд, содержащий изящный желтый узор на фоне розовых, малиновых и фиолетовых полос.

   Подумайте о том, как абстрактные узоры соотносятся с реалистичностью овец.

   Вот еще один, с менее интенсивными узорами:

   Акриловая картина от Thaneeya McArdle

   На картине выше изображена фотореалистично нарисованная рыба Оскар на фоне абстрактного фона.

   В этом изделии три элемента с узором:

   • бело-желтый узор посередине,

   • цветочный узор вверху,

   • и узор элегантных узоров внизу.

   Узоры сверху и снизу более разнесены, чем большинство узоров, показанных на этой странице, что придает им ощущение тихого очарования.

   Бело-желтый узор в середине довольно детализирован, но поскольку цвет узора (белый) так точно соответствует цвету фона (желтый), он все еще имеет ощущение простора, что действительно приносит рыбу-Оскар. на передний план и делает его центром внимания.

   Вот еще одна картина из той же серии:

   Акриловая картина от Thaneya McArdle

   Еще один способ использования узоров в искусстве — сделать так, чтобы узор предоставлял место для чего-то, на чем можно стоять, как на картине выше.

   Небольшая полоска зеленой травы лежит поверх голубого участка с простым узором внизу. В верхней части картины расположен более сложный узор.

   До сих пор мы рассматривали мои акриловые картины. Теперь давайте посмотрим на некоторые из моих рисунков, в которых используются узоры:

   Рисунок цветным карандашом Тании МакАрдл

   Рисунок выше следует той же концепции, что и картина с коровой, потому что малиновка сидит поверх абстрактного узора.

   Цветочный узор образует фон, а линии музыкальных нот вверху образуют еще один узор.

   Обратите внимание на разные размеры рисунков выше: верхний и нижний узоры достаточно детализированы, а средний узор, занимающий больше всего места, крупнее и менее детализирован. Это помогает малиновке больше выделяться на переднем плане.

   Вот еще один рисунок цветным карандашом с использованием шаблона:

   Рисунок цветным карандашом от Thaneya McArdle

   На рисунках выше и ниже простые узоры образуют границы по краям каждого рисунка.

   На рисунке лягушки выше лягушка находится на за границей (но некоторые другие объекты перекрывают границу).

   На рисунке какаду ниже птица находится спереди границы (а все остальное внутри нее).

   На каждом из этих двух рисунков также есть узоры, образованные буквами и цифрами.

   Рисунок цветным карандашом от Thaneya McArdle

   Я надеюсь, что эта страница даст вам некоторые идеи о том, как вы можете использовать узоры в искусстве, от абстрактного искусства до реалистического искусства. Узоры в искусстве могут добавить такой сильный визуальный интерес, что стоит изучить, как вы можете использовать узоры в своем собственном искусстве!

   Узнайте как рисовать узоры шаг за шагом в этом простом уроке рисования! Я покажу вам, как нарисовать 4 разных узора, а также расскажу секрет создания собственных узоров с головы до ног.

   В этом веселом и легком уроке «Рисование рук хной» показано, как сделать причудливый автопортрет с изображением ваших собственных рук и прекрасным набором подробных узоров, вдохновленных мехенди!

   Нажмите здесь, чтобы узнать больше о композиционном искусстве — искусстве, которое охватывает более одного стиля, например, картины и рисунки животных, сочетающие абстракцию и фотореализм.

   Нажмите, чтобы вернуться к оглавлению Abstract Art Table of Contents , где вы можете…

   Если вам нравятся мои абстрактные рисунки, ознакомьтесь с моей печатной Абстрактной книжкой-раскраской с 20 страницами замысловатых абстрактных штриховых рисунков, которые нужно заполнить ЦВЕТОМ!

   Визуальные элементы — Узор

   Узор в искусстве создается путем повторения или повторения визуальных элементов произведения искусства.

   ПАУЛЬ КЛЕ (1879-1940)
   Город мечты, 1921 (цвет, масло)

   Визуальный элемент паттерна создается путем повторения или повторения элементов произведения искусства, чтобы передать ощущение баланса, гармонии, контраста, ритма или движения. В искусстве есть два основных типа узоров: естественный узор и искусственный узор. И естественные, и искусственные узоры могут быть правильными или неправильными, органическими или геометрическими, структурными или декоративными, положительными или отрицательными, повторяющимися или случайными.

   Естественный узор: Узор в искусстве часто основан на вдохновении, которое мы получаем, наблюдая за естественными узорами, встречающимися в природе. Мы можем увидеть их в форме листа и ветвей дерева, структуре кристалла, спирали раковины, симметрии снежинки и камуфляжных и сигнальных узорах на животных, рыбах и насекомых.

   Искусственный узор: узор в искусстве используется как в структурных, так и в декоративных целях. Например, художник может спланировать базовую структуру произведения искусства, создав композиционный узор из линий и форм. В рамках этой композиции он/она может развивать визуальные элементы, чтобы создать более декоративный рисунок цвета, тона и текстуры по всей работе.

   Наша подборка работ, показанных ниже, была выбрана потому, что все они вдохновляюще используют узоры. Мы проанализировали каждый из них, чтобы продемонстрировать, как великие художники используют этот визуальный элемент в качестве творческой силы в своей работе.

   Натуральный узор

   РОРИ МАКЬЮЕН (1932-1982)
   Кенсингтонские сады 1, 1979 (акварель на пергаменте)

   ‘Увидеть мир в песчинке
   И рай в диком цветке,
   Держи бесконечность на ладони,
   И вечность в часе. [1]

   Рори МакИвен был блестящим художником-ботаником, но просто описать его как такового было бы неадекватным описанием того, чем он на самом деле занимается. Его работа выходит за рамки простой иллюстрации и поднимает наше восприятие до уровня, на котором мы ощущаем интенсивность его уникального видения. Подобно стиху Уильяма Блейка, он замедляет нас и показывает изысканную красоту, которую мы упускаем из виду, не глядя на то, что видим. Его замечательное умение наблюдать за одним листом раскрывает бесконечный мир тайн в обыденности.

   Первое, что вы видите на листе Макьюэна, — это естественный рисунок его жилок. По мере того, как вы углубляетесь в детали изображения, этот узор приобретает фрактальную природу, когда вы замечаете одно и то же природное образование в разных масштабах. Например, в тонком узоре роста жилок можно увидеть структурную форму ветвей дерева. Затем вы можете расширить свое видение до геологического масштаба, где изображение становится видом с воздуха, а вены превращаются в реки и притоки, прорезающие ландшафт к береговой линии. Более меланхоличная метафора могла бы связать анатомию умирающего листа с темой смертности Vanitas, поскольку его вены кровоточат красным цветом в зеленом хлорофилле его разлагающейся кожи. Если бы мы смотрели на наш мир через те же очки внимательности, что и Рори Макьюэн, наше зрение и искусство, которое мы создаем, были бы от этого богаче.

   Искусственный образец

   УИЛЬЯМ МОРРИС (1834-1896)
   Карандашный и акварельный набросок для рисунка обоев Acanthus, 1874-75

   Уильям Моррис был одним из величайших дизайнеров узоров, чьи работы до сих пор коммерчески доступны. Он был крупной фигурой Движения искусств и ремесел, группы художников, архитекторов, дизайнеров, ремесленников и писателей, которые отреагировали на ужасные последствия 19-го века.индустриализация ХХ века. Они ценили предметы ручной работы больше, чем сделанные машинами, подчеркивая важность индивидуального самовыражения. Они верили в превосходство ремесленника и его достойного образа жизни над неполноценностью промышленного производства и унизительными условиями, которые вынуждены были терпеть фабричные рабочие.

   Уильям Моррис изложил свою философию искусства и дизайна в лекции 1894 года, в которой он выступал за «во-первых, усердное изучение природы и, во-вторых, изучение произведений эпохи искусства» [2]. В соответствии с этими принципами он черпал вдохновение в искусстве Средневековья; со времен, когда художники и мастера работали вместе на равных. Лист аканта был естественным мотивом, заимствованным Моррисом из «эпохи искусства». Древние греки были первыми, кто использовал акант в качестве резного украшения в коринфских капителях, и он часто возрождался в качестве декоративного украшения в византийском, романском, готическом и ренессансном искусстве, ремеслах и архитектуре.

   В приведенном выше акварельном этюде Моррис использует извилистые формы листа аканта для создания повторяющегося узора в дизайне обоев. Он ловко упорядочивает его органические формы, чтобы скрыть геометрическую структуру узора, чтобы создать естественную стену из лиственных форм. Идея заключалась в том, чтобы ввести Природу как выражение Божьего замысла в дом в качестве противоядия от безжалостного производства промышленной революции.

   Узор в виде ландшафта

   ПИТ МОНДРИАН (1872-1944)
   Ферма рядом с Дювендрехтом, 1907 г. (холст, масло)

   Пит Мондриан провел свою трудовую жизнь, уточняя и уменьшая закономерности, которые он наблюдал в природе, в конечном итоге разработав чистый абстрактный язык прямоугольных форм (неопластицизм). Процесс развития, которому следовал Мондриан, представляет собой наиболее последовательное путешествие от натуралистического представления к чистой абстракции в истории современного искусства. Кубизм был основным путем к абстракции для большинства художников, но он был несколько неопрятен для размеренного ума Мондриана. Поэтому он адаптировал свой подход к композиции, включив в него сетку, которая не только давала ему больший контроль над пространственной организацией его работы, но и ссылалась на естественные горизонтали и вертикали его родного голландского пейзажа. Влияние сетки легло в основу композиции его картин и дало ему точку отсчета, с которой можно было наблюдать за эффектами реконфигурации элементов работы над серией изображений.

   «Ферма возле Дювендрехта» — одна из первых остановок в творческом путешествии Мондриана. Хотя это все еще репрезентативная работа, вы можете видеть, как силы абстракции начинают играть мускулами. Мондриан адаптирует естественные узоры ветвей на деревьях, чтобы повысить их эстетическую привлекательность, и использует стволы деревьев и их отражения, чтобы сформировать структурную основу композиции. Рисунок ветвей, который естественным образом имел бы случайное распределение, реструктурируется, чтобы сформировать сбалансированное взаимодействие между их формами и промежутками между ними. Импульс Мондриана уравновешивать противоположные элементы, такие как горизонтали и вертикали или положительные и отрицательные формы, является ключом к пониманию его работы. Он делает это снова, уравновешивая изображение с его отражением, взаимодействием между землей и водой, где вертикали деревьев пересекают горизонтальный водораздел реки. В этом взаимодействии вы можете начать видеть появление «сетки» в работе Мондриана (щелкните значок переворота, чтобы просмотреть).

   ДЭВИД ХОКНИ (р. 1937)
   The Road Across The Wolds, 1997 (холст, масло)

   Дэвид Хокни был вдохновлен своим другом Джонатаном Сильвером нарисовать пейзаж Йоркшира, и «Дорога через The Wolds» была его первой картиной, которая стала основной темой его работы последних лет. На нем показан вид, который Хокни знал с детства, и это маршрут, по которому он проехал бы, когда навещал Джонатана Сильвера.

   Хокни сглаживает перспективу картины, чтобы вы могли видеть больше полей, холмов и долин Восточного Йоркшира. Сцена представляет собой лоскутное одеяло из залитых солнцем форм и цветов, приглашающих вас в путешествие по холмистому ландшафту. Художник оставляет крошечную полоску неба в верхней части картины, которая помогает вам ощутить масштаб его панорамы, масштаб, который наверняка уменьшился бы, если бы он опустил горизонт, понизил уровень глаз или использовал условную перспективу. Хокни также уменьшает эффект воздушной перспективы, стандартизируя размер своих мазков и усиливая оттенки далеких полей, чтобы увеличить сияние их цвета.

   Узор как защита окружающей среды

   ЭНДРЮ ГОЛДСУОРТИ (р. 1956)
   Листья рябины, разложенные вокруг дыры, Йоркширский парк скульптур, 25 октября 1987 г. (фотография)

   «Сейчас вы видите дерево только при свете лампы. Интересно, когда-нибудь ты увидишь лампу при свете дерева? [3]

   Эндрю Голдсуорси искажает наше восприятие природы, чтобы заставить нас взглянуть на нее по-новому. Голдсуорти — художник-эколог, который использует природные материалы ландшафта (листья и лепестки, ветки и колючки, снег и лед, грязь и камни) и сочувственно манипулирует ими, чтобы создать неожиданное ощущение порядка в неограниченном росте природной среды. Его скульптуры спрятаны на виду, и если вы встретите одну из них во время прогулки по лесу, вам покажется, что поработал какой-то инопланетный разум — и в какой-то степени так оно и было, поскольку что-то новое было создано сознанием. художника в сотрудничестве с духом природы. Голдсуорси осознает эфемерность своей работы, поэтому он документирует свою деятельность изысканными фотографиями в серии вдохновляющих книг. «Rowan Leaves Laid Around Hole» использует изменяющуюся пигментацию осенних листьев для создания кругового цветового узора. Он излучает энергию яркими желтыми солнечными лучами, переходя от ярко-красного к темно-фиолетовому, который тонко смешивается с коричневым и черным цветом земли. В его центре находится невидимый источник его силы — черная дыра за пределами черного цвета любой пигментации. В творчестве Эндрю Голдсуорти есть что-то космическое.

   ФРИДЕНСРАЙХ ХУНТЕРВАССЕР (1928 — 2000)
   Ириналенд над Балканами, 1969 (смешанная техника)

   Фриденсрайх Хантервассер был бескомпромиссным художником и архитектором, чьи уникальные образы проистекают из его анимистического взгляда на мир. Анимизм — это древняя вера в духовную связь между всеми природными формами и элементами: людьми, животными, растениями, землей, воздухом, огнем и водой. Хантервассер был убежденным защитником окружающей среды, который выражал свою «зеленую» философию в каждой своей мысли и действии, вплоть до того, что он готовил свои собственные краски и среды, чтобы гарантировать их экологичность.

   Хантервассер заявил, что «прямая линия есть нечто трусливо проведенное по правилу, без мысли и чувства; это линия, которой не существует в природе». [4]. Следовательно, его картины пронизаны контурами, которые определяют их пространство в виде натуральной текстуры дерева или узоров луковых колец. «Irinaland Over The Balkans» сочетает в себе его идеологию и артистизм в одном органичном образе. Лицо Ирины Малеевой, болгарской актрисы, у которой были отношения с Хантервассером, сливается с балканским пейзажем, намекая на их анимистическую связь. Все элементы картины живут и дышат посредством кровеносной системы линий и цвета, которая пульсирует выразительной энергией вокруг и между каждым компонентом композиции.

   Шаблон как контраст

   М.К. ЭШЕР (1898-1972)
   «День и ночь», 1938 (гравюра на дереве)

   «День и ночь» М. К. Эшера — это изящная оптическая иллюзия, которая раскрывается только тогда, когда мы начинаем исследовать геометрию ее композиции. Обманчивое использование перспективы в сочетании с отвлекающим использованием шаблона обманывает нас, заставляя поверить в этот невозможный образ. Эшер использует обычную перспективу для плоскости земли, которая простирается до высокого уровня глаз на далеком горизонте. Этот высокий уровень глаз помещает зрителя в приподнятое положение, глядя вниз на пейзаж. Затем он накладывает градуирующий узор летящих гусей на плоскость изображения, которая плавно соединяется с полем внизу наземной равнины. Именно неправильное направление этого бесшовного соединения убеждает нас, что мы смотрим на одно изображение, а не на два (узор, перекрывающий пейзаж). Эшер также вводит контрастные узоры, чтобы отвлечь наше внимание от структурного дизайна изображения. Контраст позитива и негатива, черного и белого, дня и ночи в сочетании с высоким уровнем глаз притягивает наше внимание к верхней половине работы и инициирует диалог слева и справа между обеими сторонами этого зеркального отображения. Интересно анализировать иллюзию Эшера в «Дне и ночи», но веселее обманом заставить поверить в нее.

   РИЧАРД ЭСТЕС (р.1932)
   «Телефонные будки», 1968 (холст, масло)

   «Телефонные будки» Ричарда Эстеса — очень подробная картина, основанная на серии фотографий, сделанных возле Macy’s на Геральд-сквер на Манхэттене. Он контрастирует с формальным рисунком ряда прямоугольных телефонных будок с неформальной поверхностью их полированной стали и стеклянных отражений. Ритм отражения и прозрачности, монохромности и цвета, света и тьмы создает мерцание узора на поверхности изображения, чтобы представить шум и суматоху Нью-Йорка. Это еще больше усиливается тенью, которая смягчает детали нижней половины картины, тем самым увеличивая контрастность и воздействие верхней половины. Фигуры в кабинках частично закрыты дверями и рассеяны отраженным светом, чтобы объединить их анонимные формы с абстрактным замыслом композиции. Хотя это фотореалистичное фигуративное изображение, общий эффект — калейдоскопическая абстракция городской жизни.

   Шаблон как повторение

   БРИТАНСКАЯ ШКОЛА (якобинская эпоха)
   The Cholmondeley Ladies, c.1600-10 (деревянная панель, масло)

   The Cholmondeley Ladies’ (произносится как Чамли) представляет собой двойной светский портрет сестер, вероятно, близнецов, которые сидят прямо в постели, представляя миру своих новорожденных детей. Это картина якобинской эпохи (1567–1625), одновременно восхитительная и слегка абсурдная.

   Если бы это был отдельный портрет, вы бы сосредоточились на естественных отношениях между матерью и ее ребенком. Однако повторение изображения меняет то, как мы воспринимаем произведение. Мы интерпретируем его необычную конфигурацию с повышенной долей любопытства, ища подсказки, чтобы разгадать тайну его странной симметрии. На первый взгляд фигуры выглядят одинаково, но при ближайшем рассмотрении вы замечаете между ними множество различий. Узоры вышивки и ажурного плетения уникальны для каждой фигуры. Разные ожерелья используются для разделения сестер, а разные цвета глаз различают мать и ребенка.

   Неизвестный художник предвидел наше замешательство и помогает нам с нарисованной надписью (теперь исчезающей) в левом нижнем углу, которая гласит: «Две дамы из семьи Чолмонделей, которые родились в один день, вышли замуж за одного и того же». день, И легла спать (родила) в тот же день».

   ЭНДИ УОРХОЛ (1928-1987)
   Мэрилин, 1967 г. (портфолио из десяти шелкографий)

   Если мы прыгнем на три с половиной века вперед от «Женщин Чолмонделей», мы увидим, что Энди Уорхол повторно использовал повторение как средство, чтобы изменить наше восприятие другого типа общества. портрет — портрет знаменитости. Уорхол использовал конвейер изображений Мэрилин Монро, напечатанных методом шелкографии, как метафору потери «я» в чужом мире знаменитостей. Мэрилин больше не имеет своей уникальной индивидуальности; она была переименована в адаптируемый товар, чтобы удовлетворить ненасытный аппетит культуры потребления.

   Узор как украшение

   РЕНЕ МАГРИТ (1898-1967)
   L’Avenir des Statues (Будущее статуй), 1932 (масло, гипсовая голова)

   Рене Магритт украсил репродукцию посмертной маски Наполеона Бонапарта сюрреалистическим узором из голубого неба и белых облаков. Это поэтическое украшение поднимает объект от приземленного через таинственное к метафизическому, перекрестно ссылаясь на сферы политики и власти, смерти и грез, на небеса или потусторонний мир. Личный подход Магритта к сюрреализму заставляет нас созерцать иррациональное в подсознательном лабиринте значений между сопоставлением образов и идей, которые он использует в своем искусстве.

   ГУСТАВ КЛИМТ (1862-1918)
   Портрет Адели Блох-Бауэр 1, 1907 г. (панель, масло и сусальное золото)

   Первая картина Густава Климта, изображающая Адель Блох-Бауэр, жену венского торговца сахаром, в 2006 г. стала самой дорогой картиной в мире. . Это уникальный для своего времени образ и высший образец его «золотого периода». Для создания этой экстравагантной работы были объединены различные влияния: сложное слияние утонченной красоты прерафаэлитов, югендстиля (ар-нуво) и японских узоров, золотого орнамента, вдохновленного византийской мозаикой и микенскими мотивами, и фигуративных условностей египетского искусства. .

   Адель одета в струящееся платье и сидит на стуле. Ее видимая плоть нарисована натуралистично, в то время как ее платье, стул и фон очерчены как отдельные плоские области, каждая из которых украшена сусальным золотом в ослепительном множестве изысканных узоров. Стул и одежда платья украшены драгоценными камнями из золотых и цветных овалов, квадратов, треугольников и спиралей, которые отсылают к японскому, югендстильному и микенскому стилям, тогда как фон представляет собой пятнистую патину из сусального золота со странным плавающим квадратом, чтобы подчеркнуть его глубину.