на что обратить внимание при выборе

Содержание

С наступлением сезона холодов на подиумах появились модели в головных уборах. Среди шарфов-хомутов, капюшонов и вязаных шапочек выделяется обилие беретов всех расцветок и размеров. Мода на них — по-настоящему народное явление: стилевому разнообразию позавидует любая шляпка.

Цвет: вороново крыло и горький шоколад

Черный — универсальный цвет, с которым сочетается любой другой, особенно яркий. Оттенков много: от теплого шоколадно-черного и сдержанного маренго до блестящего иссиня-черного и антрацитового.

При подборе будущего комплекта стоит прикинуть, с чем именно планируется носить берет. Примерять же лучше при ярком свете, имитирующем дневной, чтобы знать, как будет выглядеть вещь на улице.

Ассортимент фактур и материалов тоже огромен:

• вязка: крупная и мелкая, ручная и машинная, плотная и ажурная;
• рубчик: репс, вельвет, диагональ;
• тонкий или плотный деним;
• бархат, велюр;
• трикотажное полотно;
• кожа и замша;
• натуральный и искусственный мех;
• фетр, твид, кашемир.

Можно найти модель с помпоном, кружевными вставками, бахромой или атласной оторочкой, молодежный вариант с сочным принтом или праздничный со стразами.

Советуем

С чем нельзя носить зимний берет

На что обратить внимание при выборе?

Конечно, главный критерий — нравится ли вещь тому, кто будет ее носить.

Но чтобы примерка прошла быстрее и доставила удовольствие, стоит познакомиться с принципами подбора берета в зависимости от формы лица:

1. Обладательницам узких скул и высокого лба лучше носить классический берет, немного сдвинув его на лоб, — горизонтальный край визуально расширит верхнюю часть лица.
2. Если лицо круглое, стоит остановиться на модели среднего размера, сместив ее к затылку, чтобы открыть лоб.
3. Тем, у кого широкий лоб и узкий подбородок, рекомендуют сдвигать берет набок — это уравновешивает черты.
4. Если черты лица тонкие, лучше выбрать гладкую ткань.
5. При крупных чертах подойдет вязаное полотно с выраженным рельефом.
6. Самый богатый выбор — у дам с овальным лицом и античными пропорциями: им подходит почти все.

Советуем

С чем носить кожаный берет

С чем носить берет?

Когда-то берет служил для завершения женственного образа. Его носили с юбкой и джемпером, с деловым пиджаком.

Но мода становится все демократичнее, открывая простор фантазии. Разберем различные стили.

Классика

Берет подойдет классическому образу: юбке чуть ниже колена, блузке и туфлям-лодочкам. Он хорошо смотрится с длинным вязаным кардиганом.

Черный головной убор предполагает наличие в костюме еще хотя бы одной черной доминанты — например, сумочки.

Удачный вариант для любительницы графичных силуэтов — свободный жакет в тон берету и белая блузка под ним. На девушках с таким сочетанием хорошо смотрится лаконичная крупная бижутерия.

Важно! отлично выглядит берет с классическим тренчем до колен и ботильонами или высокими сапогами. Но если под плащ надета мини-юбка, он носится только расстегнутым!

Casual

Повседневный стиль — это немаркие цвета, удобство и разнообразие фасонов. Берет черного цвета дополнит джинсы, свободные брюки с мокасинами и подчеркнет ворот свитера.

Свитер может быть контрастным или гармонировать с беретом — в последнем случае удачным решением будет яркая брошь или шарф, выделяющийся на черной материи («берет художника» — практически самостоятельный стиль!).

К одежде спокойных цветов лучше подобрать модель без блеска и орнамента, выразительность которой проявляется в форме.

Street-casual — находка для творческого человека: позволено почти все. Например, «маленькое черное платье» с красными колготками и огромным вельветовым беретом — черным с бордовым отливом (так называемый цвет бычьей крови). Шпильки в такой образ не впишутся, зато на помощь придут кеды, которые есть в гардеробе у любой поклонницы стильного комфорта.

Ретро

В 50–е годы XX века носили небольшие береты. Платья были цветными, с крупным орнаментом, приталенными и визуально расширяли бедра пышной юбкой-миди. Элегантности облику придавал аккуратный каблучок.

Сейчас ретросилуэт снова популярен. Вместо лодочек для удобства можно надеть балетки, а талию подчеркнуть широким черным поясом — он будет перекликаться с головным убором.

Вечерний наряд

Миниатюрный берет-таблетка с вуалеткой находился на пике популярности в начале прошлого века, но и сейчас, появившись в таком на мероприятии, можно произвести фурор.

К нему подойдет длинное облегающее платье и черные перчатки из схожей по структуре материи. Обязателен высокий каблук и выразительные глаза — к примеру, макияж smoky eyes под темной вуалью смотрится завораживающе.

Впрочем, все мы свободны выбирать. Почему бы не надеть таблетку к рваным джинсам и майке с пайетками? На юной девушке такая эклектичная композиция будет смотреться уместно. Здесь нет регламента и точных рецептов: главное — чувствовать себя свободно и органично.

Головные уборы

Превратите свои рисунки в повторы узоров

Хотите узнать, как превратить свои рисунки в повторения узоров? Есть несколько вещей, о которых нужно подумать, когда вы создаете свое искусство, которые помогут вам легче создавать успешные повторы узора.

Создание повторов узора из готового рисунка

Первое, что мы рассмотрим, это создание повторов узора из готового рисунка. Это то, что вы определенно можете сделать, и для этого потребуется отсканировать вашу работу на компьютер, а затем повторить ее. Однако проблема заключается в том, что все четыре края вашего произведения искусства должны совпадать при повторении, поэтому для успешной работы потребуется много возни. Вам нужно будет смешивать, добавлять и корректировать свои работы, и если ваша работа представляет собой единое целое, потребуется некоторое время и навыки, чтобы сделать это, и лучше всего это сделать с помощью Photoshop. Если вы новичок в использовании Photoshop, я бы не рекомендовал создавать свои работы таким образом, чтобы создавать повторы узоров.

Советы по созданию иллюстраций

Если вы создаете отрисованные вручную рисунки и иллюстрации, которые вы хотите воспроизвести на своем компьютере, вам необходимо заранее подумать, как вы собираетесь создавать свои элементы. Вы можете использовать любой носитель, который вам нравится, например. акрил, акварель, гуашь и т. д., но я бы посоветовал вам на самом деле создать их намеренно, чтобы использовать в качестве рисунков, а не просто брать готовые работы и переносить их в компьютер для создания повторов узоров, так как это значительно упростит задачу. для вас, особенно если вы только начинаете учиться пользоваться программами.

Первое, что упростит задачу, это создание изображения на белом фоне, так как это значительно ускорит и упростит его удаление.

Второе, о чем вам нужно подумать, это создать элементы вашего дизайна так, чтобы они не соприкасались, т. е. они все отделены друг от друга. Это позволит вам более гибко использовать их после переноса на компьютер. Другими словами, вы хотите создать каждый из ваших элементов дизайна как отдельные острова. Например, если вы используете листья в своем дизайне, если вы создаете листья так, чтобы они не соприкасались после того, как вы удалили фон листьев, вы можете перемещать их и повторять так, как вам нравится.

Использование красивых элементов дизайна, созданных вручную, является прекрасным способом создания повторов узоров, и вы сможете создавать действительно великолепные узоры, но просто подумайте о том, как вы создаете свои элементы дизайна, чтобы облегчить себе задачу, когда вы будете повторять их. Помните, что вы можете создать повторение шаблона из готового изображения, но это будет сложнее и потребует больше времени и навыков, чем создание элементов дизайна по отдельности.

Сканирование ваших дизайнов

Еще одна вещь, которую вы действительно должны учитывать при создании элементов дизайна вручную, — это учитывать масштаб, в котором вы их создаете. Я рекомендую создавать элементы дизайна в размере или больше, чем вы собираетесь их использовать, или, если вам нужно использовать элементы дизайна в большем масштабе, вам нужно будет сканировать их с более высоким значением DPI. Как правило, если вы сканируете свои дизайны с разрешением 300 DPI и создаете элементы дизайна в масштабе или больше, чем вы собираетесь их использовать, тогда все будет в порядке. Если вам нужно слишком сильно увеличить свои элементы в Photoshop, вы можете в конечном итоге эти элементы станут пикселизированными.

Прежде чем вы начнете, если вы подумаете о том, как создавать свои ручные визуализированные изображения, вы сделаете это проще, быстрее и предоставите себе большую гибкость, когда начнете создавать повторяющиеся узоры.

Визуальные элементы — Узор

Узор в искусстве создается путем повторения или повторения визуальных элементов произведения искусства.

ПАУЛЬ КЛЕ (1879-1940)
Город грез, 1921 (цвет, масло)

Визуальный элемент узора создается путем повторения или повторения элементов произведения искусства, чтобы передать ощущение баланса, гармонии, контраста, ритма или движения. В искусстве есть два основных типа узоров: естественный узор и искусственный узор. И естественные, и искусственные узоры могут быть правильными или неправильными, органическими или геометрическими, структурными или декоративными, положительными или отрицательными, повторяющимися или случайными.

Естественный узор: Узор в искусстве часто основан на вдохновении, которое мы получаем, наблюдая за естественными узорами, встречающимися в природе. Мы можем увидеть их в форме листа и ветвей дерева, структуре кристалла, спирали раковины, симметрии снежинки и камуфляжных и сигнальных узорах на животных, рыбах и насекомых.

Искусственный узор: узор в искусстве используется как в структурных, так и в декоративных целях. Например, художник может спланировать базовую структуру произведения искусства, создав композиционный узор из линий и форм. В рамках этой композиции он/она может развивать визуальные элементы, чтобы создать более декоративный рисунок цвета, тона и текстуры по всей работе.

Наша подборка работ, представленных ниже, была выбрана потому, что все они вдохновляюще используют узоры. Мы проанализировали каждый из них, чтобы продемонстрировать, как великие художники используют этот визуальный элемент в качестве творческой силы в своей работе.

Естественный узор

РОРИ МАКЬЮЕН (1932-1982)
Кенсингтонские сады 1, 1979 (акварель на пергаменте)

‘Увидеть мир в песчинке
И небо в диком цветке,
Держи бесконечность на ладони,
И вечность в часе. [1]

Рори МакИвен был блестящим художником-ботаником, но просто описать его как такового было бы неадекватным описанием того, чем он на самом деле занимается. Его работа выходит за рамки простой иллюстрации и поднимает наше восприятие до уровня, на котором мы ощущаем интенсивность его уникального видения. Подобно стиху Уильяма Блейка, он замедляет нас и показывает изысканную красоту, которую мы упускаем из виду, не глядя на то, что видим. Его замечательное умение наблюдать за одним листом раскрывает бесконечный мир тайн в обыденности.

Первое, что вы видите на листе Макьюэна, — это естественный рисунок его жилок. По мере того, как вы углубляетесь в детали изображения, этот узор приобретает фрактальную природу, когда вы замечаете одно и то же природное образование в разных масштабах. Например, в тонком узоре роста жилок можно увидеть структурную форму ветвей дерева. Затем вы можете расширить свое видение до геологического масштаба, где изображение становится видом с воздуха, а вены превращаются в реки и притоки, прорезающие ландшафт к береговой линии. Более меланхоличная метафора могла бы связать анатомию умирающего листа с темой смертности Vanitas, поскольку его вены кровоточат красным цветом в зеленом хлорофилле его разлагающейся кожи. Если бы мы смотрели на наш мир через те же очки внимательности, что и Рори Макьюэн, наше зрение и искусство, которое мы создаем, были бы от этого богаче.

Искусственный узор

УИЛЬЯМ МОРРИС (1834-1896)
Карандашный и акварельный набросок для узора обоев Acanthus, 1874-75

Уильям Моррис был одним из величайших дизайнеров узоров, чьи работы до сих пор коммерчески доступны. Он был крупной фигурой Движения искусств и ремесел, группы художников, архитекторов, дизайнеров, ремесленников и писателей, которые отреагировали на ужасные последствия 19-го века.индустриализация ХХ века. Они ценили предметы ручной работы больше, чем сделанные машинами, подчеркивая важность индивидуального самовыражения. Они верили в превосходство ремесленника и его достойного образа жизни над неполноценностью промышленного производства и унизительными условиями, которые вынуждены были терпеть фабричные рабочие.

Уильям Моррис изложил свою философию искусства и дизайна в лекции 1894 года, в которой он выступал за «во-первых, усердное изучение природы и, во-вторых, изучение произведений эпохи искусства» [2]. В соответствии с этими принципами он черпал вдохновение в искусстве Средневековья; со времен, когда художники и мастера работали вместе на равных. Лист аканта был естественным мотивом, заимствованным Моррисом из «эпохи искусства». Древние греки были первыми, кто использовал акант в качестве резного украшения в коринфских капителях, и он часто возрождался в качестве декоративного украшения в византийском, романском, готическом и ренессансном искусстве, ремеслах и архитектуре.

В приведенном выше акварельном этюде Моррис использует извилистые формы листа аканта для создания повторяющегося узора для рисунка обоев. Он ловко упорядочивает его органические формы, чтобы скрыть геометрическую структуру узора, чтобы создать естественную стену из лиственных форм. Идея заключалась в том, чтобы ввести Природу как выражение Божьего замысла в дом в качестве противоядия от безжалостного производства промышленной революции.

Узор в виде ландшафта

ПЬЕТ МОНДРИАН (1872-1944)
Ферма рядом с Дювендрехтом, 1907 г. (холст, масло)

Пит Мондриан провел свою трудовую жизнь, уточняя и уменьшая закономерности, которые он наблюдал в природе, в конечном итоге разработав чистый абстрактный язык прямоугольных форм (неопластика). Процесс развития, которому следовал Мондриан, представляет собой наиболее последовательное путешествие от натуралистического представления к чистой абстракции в истории современного искусства. Кубизм был основным путем к абстракции для большинства художников, но он был несколько неопрятен для размеренного ума Мондриана. Поэтому он адаптировал свой подход к композиции, включив в него сетку, которая не только давала ему больший контроль над пространственной организацией его работы, но и ссылалась на естественные горизонтали и вертикали его родного голландского пейзажа. Влияние сетки легло в основу композиции его картин и дало ему точку отсчета, с которой можно было наблюдать за эффектами реконфигурации элементов работы над серией изображений.

«Ферма возле Дювендрехта» — одна из первых остановок в творческом путешествии Мондриана. Хотя это все еще репрезентативная работа, вы можете видеть, как силы абстракции начинают играть мускулами. Мондриан адаптирует естественные узоры ветвей на деревьях, чтобы повысить их эстетическую привлекательность, и использует стволы деревьев и их отражения, чтобы сформировать структурную основу композиции. Рисунок ветвей, который естественным образом имел бы случайное распределение, реструктурируется, чтобы сформировать сбалансированное взаимодействие между их формами и промежутками между ними. Импульс Мондриана уравновешивать противоположные элементы, такие как горизонтали и вертикали или положительные и отрицательные формы, является ключом к пониманию его работы. Он делает это снова, уравновешивая изображение с его отражением, взаимодействием между землей и водой, где вертикали деревьев пересекают горизонтальный водораздел реки. В этом взаимодействии вы можете начать видеть появление «сетки» в работе Мондриана (щелкните значок переворота, чтобы просмотреть).

ДЭВИД ХОКНИ (р. 1937)
The Road Across The Wolds, 1997 (холст, масло)

Дэвид Хокни был вдохновлен своим другом Джонатаном Сильвером нарисовать пейзаж Йоркшира, и «Дорога через The Wolds» была его первой картиной, которая стала основной темой его работы последних лет. На нем показан вид, который Хокни знал с детства, и это маршрут, по которому он проехал бы, когда навещал Джонатана Сильвера.

Хокни сглаживает перспективу картины, чтобы вы могли видеть больше полей, холмов и долин Восточного Йоркшира. Сцена представляет собой лоскутное одеяло из залитых солнцем форм и цветов, приглашающих вас в путешествие по холмистому ландшафту. Художник оставляет крошечную полоску неба в верхней части картины, которая помогает вам ощутить масштаб его панорамы, масштаб, который наверняка уменьшился бы, если бы он опустил горизонт, понизил уровень глаз или использовал условную перспективу. Хокни также уменьшает эффект воздушной перспективы, стандартизируя размер своих мазков и усиливая оттенки далеких полей, чтобы увеличить сияние их цвета.

Паттерн как защита окружающей среды

ЭНДРЮ ГОЛДСУОРТИ (р. 1956)
Листья рябины, уложенные вокруг дыры, Йоркширский парк скульптур, 25 октября 1987 г. (фотография)

«Сейчас вы видите дерево только при свете лампы. Интересно, когда-нибудь ты увидишь лампу при свете дерева? [3]

Эндрю Голдсуорси искажает наше восприятие природы, чтобы заставить нас взглянуть на нее по-новому. Голдсуорти — художник-эколог, который использует природные материалы ландшафта (листья и лепестки, ветки и колючки, снег и лед, грязь и камни) и сочувственно манипулирует ими, чтобы создать неожиданное ощущение порядка в неограниченном росте природной среды. Его скульптуры спрятаны на виду, и если вы встретите одну из них во время прогулки по лесу, вам покажется, что поработал какой-то инопланетный разум — и в какой-то степени так оно и было, поскольку что-то новое было создано сознанием. художника в сотрудничестве с духом природы. Голдсуорси осознает эфемерность своей работы, поэтому он документирует свою деятельность изысканными фотографиями в серии вдохновляющих книг. «Rowan Leaves Laid Around Hole» использует изменяющуюся пигментацию осенних листьев для создания кругового цветового узора. Он излучает энергию яркими желтыми солнечными лучами, переходя от ярко-красного к темно-фиолетовому, который тонко смешивается с коричневым и черным цветом земли. В его центре находится невидимый источник его силы — черная дыра за пределами черного цвета любой пигментации. В творчестве Эндрю Голдсуорти есть что-то космическое.

ФРИДЕНСРАЙХ ХУНТЕРВАССЕР (1928 — 2000)
Ириналенд над Балканами, 1969 (смешанная техника)

Фриденсрайх Хантервассер был бескомпромиссным художником и архитектором, чьи уникальные образы проистекают из его анимистического взгляда на мир. Анимизм — это древняя вера в духовную связь между всеми природными формами и элементами: людьми, животными, растениями, землей, воздухом, огнем и водой. Хантервассер был убежденным защитником окружающей среды, который выражал свою «зеленую» философию в каждой своей мысли и действии, вплоть до того, что он готовил свои собственные краски и среды, чтобы гарантировать их экологичность.

Хантервассер заявил, что «прямая линия есть нечто трусливо проведенное по правилу, без мысли и чувства; это линия, которой не существует в природе». [4]. Следовательно, его картины пронизаны контурами, которые определяют их пространство наподобие натуральной текстуры дерева или узоров луковых колец. «Irinaland Over The Balkans» сочетает в себе его идеологию и артистизм в одном органичном образе. Лицо Ирины Малеевой, болгарской актрисы, у которой были отношения с Хантервассером, сливается с балканским пейзажем, намекая на их анимистическую связь. Все элементы картины живут и дышат посредством кровеносной системы линий и цвета, которая пульсирует выразительной энергией вокруг и между каждым компонентом композиции.

Узор как контраст

М.К. ЭШЕР (1898-1972)
«День и ночь», 1938 (гравюра на дереве)

«День и ночь» М. К. Эшера — это изящная оптическая иллюзия, которая раскрывается только тогда, когда мы начинаем исследовать геометрию ее композиции. Обманчивое использование перспективы в сочетании с отвлекающим использованием шаблона обманывает нас, заставляя поверить в этот невозможный образ. Эшер использует обычную перспективу для плоскости земли, которая простирается до высокого уровня глаз на далеком горизонте. Этот высокий уровень глаз помещает зрителя в приподнятое положение, глядя вниз на пейзаж. Затем он накладывает градуирующий рисунок летящих гусей на плоскость изображения, которая плавно соединяется с полем внизу наземной равнины. Именно неправильное направление этого бесшовного соединения убеждает нас, что мы смотрим на одно изображение, а не на два (узор, перекрывающий пейзаж). Эшер также вводит контрастные узоры, чтобы отвлечь наше внимание от структурного дизайна изображения. Контраст положительного и отрицательного, черного и белого, дня и ночи в сочетании с высоким уровнем глаз притягивает наше внимание к верхней половине работы и инициирует диалог слева и справа между обеими сторонами этого зеркального отображения. Интересно анализировать иллюзию Эшера в «Дне и ночи», но веселее обманом заставить поверить в нее.

РИЧАРД ЭСТЕС (р.1932)
«Телефонные будки», 1968 (холст, масло)

«Телефонные будки» Ричарда Эстеса — очень детализированная картина, основанная на серии фотографий, сделанных возле Macy’s на Геральд-сквер на Манхэттене. Он контрастирует с формальным рисунком ряда прямоугольных телефонных будок с неформальной поверхностью их полированной стали и стеклянных отражений. Ритм отражения и прозрачности, монохромности и цвета, света и тьмы создает мерцание узора на поверхности изображения, чтобы представить шум и суматоху Нью-Йорка. Это еще больше усиливается тенью, которая смягчает детали нижней половины картины, тем самым увеличивая контрастность и воздействие верхней половины. Фигуры в кабинках частично закрыты дверями и рассеяны отраженным светом, чтобы объединить их анонимные формы с абстрактным замыслом композиции. Хотя это фотореалистичное фигуративное изображение, общий эффект — калейдоскопическая абстракция городской жизни.

Шаблон как повторение

БРИТАНСКАЯ ШКОЛА (якобинская эпоха)
The Cholmondeley Ladies, c.1600-10 (деревянная панель, масло)

The Cholmondeley Ladies’ (произносится как Чамли) представляет собой двойной светский портрет сестер, вероятно, близнецов, которые сидят прямо в постели, представляя миру своих новорожденных младенцев. Это картина якобинской эпохи (1567–1625), одновременно восхитительная и слегка абсурдная.

Если бы это был отдельный портрет, вы бы сосредоточились на естественных отношениях между матерью и ее ребенком. Однако повторение изображения меняет то, как мы воспринимаем произведение. Мы интерпретируем его необычную конфигурацию с повышенной долей любопытства, ища подсказки, чтобы разгадать тайну его странной симметрии. На первый взгляд фигуры выглядят одинаково, но при ближайшем рассмотрении вы замечаете между ними множество различий. Узоры вышивки и ажурного плетения уникальны для каждой фигуры. Разные ожерелья используются для разделения сестер, а разные цвета глаз различают мать и ребенка.

Неизвестный художник предвидел наше замешательство и помогает нам с нарисованной надписью (теперь исчезающей) в левом нижнем углу, которая гласит: «Две дамы из семьи Чолмонделей, которые родились в один день, вышли замуж за одного и того же». день, И легла спать (родила) в тот же день».

ЭНДИ УОРХОЛ (1928-1987)
Мэрилин, 1967 г. (портфолио из десяти шелкографий)

Если мы прыгнем на три с половиной века вперед от «Женщин Чолмонделей», мы увидим, что Энди Уорхол повторно использовал повторение как средство, чтобы изменить наше восприятие другого типа общества. портрет — портрет знаменитости. Уорхол использовал конвейер изображений Мэрилин Монро, напечатанных методом шелкографии, как метафору потери «я» в чужом мире знаменитостей. Мэрилин больше не имеет своей уникальной индивидуальности; она была переименована в адаптируемый товар, чтобы удовлетворить ненасытный аппетит культуры потребления.

Узор как украшение

РЕНЕ МАГРИТ (1898-1967)
L’Avenir des Statues (Будущее статуй), 1932 (масло, гипсовая голова)

Рене Магритт украсил репродукцию посмертной маски Наполеона Бонапарта сюрреалистическим узором из голубого неба и белых облаков. Это поэтическое украшение поднимает объект от приземленного через таинственное к метафизическому, перекрестно ссылаясь на сферы политики и власти, смерти и грез, на небеса или потусторонний мир. Личный подход Магритта к сюрреализму заставляет нас созерцать иррациональное в подсознательном лабиринте значений между сопоставлением образов и идей, которые он использует в своем искусстве.

ГУСТАВ КЛИМТ (1862-1918)
Портрет Адели Блох-Бауэр 1, 1907 г. (панель, масло и сусальное золото)

Первая картина Густава Климта, изображающая Адель Блох-Бауэр, жену венского торговца сахаром, в 2006 г. стала самой дорогой картиной в мире. . Это уникальный для своего времени образ и высший образец его «золотого периода». Для создания этой экстравагантной работы были объединены различные влияния: сложное слияние утонченной красоты прерафаэлитов, югендстиля (ар-нуво) и японских узоров, золотого орнамента, вдохновленного византийской мозаикой и микенскими мотивами, и фигуративных условностей египетского искусства. .

Адель одета в струящееся платье и сидит на стуле. Ее видимая плоть нарисована натуралистично, в то время как ее платье, стул и фон очерчены как отдельные плоские области, каждая из которых украшена сусальным золотом в ослепительном множестве изысканных узоров. Стул и одежда платья украшены драгоценными камнями из золотых и цветных овалов, квадратов, треугольников и спиралей, которые отсылают к японскому, югендстильному и микенскому стилям, тогда как фон представляет собой пятнистую патину из сусального золота со странным плавающим квадратом, чтобы подчеркнуть его глубину.