Выставка «Авангард – театр – мода» пройдет в Нижнем Новгороде — Новости

29
января 2020 года в Нижнем Новгороде откроется выставка «Авангард – театр – мода»,
сообщают организаторы.

Коллектив культурно-просветительского фонда «Магия моды» задумал
выставку как признание в любви к гениям русского авангарда. Выставка проводится
при поддержке Фонда президентских грантов России, Министерства культуры
Нижегородской области, Государственного центрального театрального музея им. А. А.
Бахрушина, Нижегородского государственного выставочного комплекса и других.
В первую очередь проект адресован молодежи.

Дизайнеры отобрали эскизы из золотых фондов ведущих музеев
России и смогли создать утраченные в годы репрессий и гонений 70 реконструкций
уникальных костюмов гениев авангарда. Среди художников, костюмы которых были
воссозданы, – С. Эйзенштейн, А. Экстер, А. Веснин, А. Родченко, В. Степанова, В.
Мухина, Л. Попова, Н. Гончарова, братья Стенберги, Н. Айзенберг, А. Петрицкий и
другие.

В создании «живых» ЗD-реконструкций декораций и
театральных костюмов активное участие приняли студенты и преподаватели РГУ им.
А. Н. Косыгина, МГХПА им. С. Г. Строганова, Государственной академии МАРХИ. Кроме
того, творческий коллектив в этом году пополнился талантливыми художниками-кукольниками.

Выставка «Авангард – театр – мода» показывает, как авангардный
театр повлиял не только на сценическое искусство, но и на костюм (проз-одежда)
и даже на архитектуру ХХ века. В эскизах декораций зародился архитектурный
стиль конструктивистов.

Во второй части объемной экспозиции представлен проект музея
Н. П. Ламановой. Надежда Петровна родилась в селе Шутилове Нижегородской
губернии в 1861 году. Девочка из обедневшей дворянской семьи, гимназистка
«Мариинки», под влиянием идей Н. Чернышевского и Н. Добролюбова сама выбрала
свою судьбу и стала великим творцом в области костюма. Она была не только
модельером, но и выдающимся театральным художником-костюмером – сорок лет
прослужила Мельпомене. На выставке будут представлены ее творчество и биографические
факты.

Выставка «Авангард
– театр – мода» выиграла грант от Фонда президентских грантов. Это дало
возможность показать ее в Нижнем Новгороде, где почти не выделяются субсидии на
выставочную деятельность. Кроме того, благодаря Фонду президентских грантов выпущен
каталог «Авангард – театр – мода» (издательство «Северный паломник») тиражом 1000
экземпляров для вузов, музеев, библиотек. Уже распространено 650 экземпляров, 120
экземпляров передано Фонду «Русский силуэт» для награждения победителей. Книга-каталог
«Авангард – театр – мода» снабжена большим иллюстративным материалом.

Авторы
проекта «Мода – народу! От конструктивизма к дизайну», созданного волонтерским
коллективом фонда «Магия моды» в 2017 году при поддержке Минпромторга, стали
лауреатами премии города Москвы в области литературы и искусства.

Адрес: Нижегородский государственный выставочный комплекс, Нижний
Новгород, пл. Минина и Пожарского, д. 2/2.

Дата и время открытия: 29 января в 16:00. Время работы: со вторника по
воскресенье – с 11:00 до 19:00 (касса до 18:30), по четвергам – с 12:00 до 20:00
(касса до 19:30). Понедельник – выходной.

Материал и афиша
предоставлены Наталией Козловой, президентом культурно-просветительского фонда
«Магия моды».

Классическое искусство или авангард? Два подхода к художественному образованию

Хочу опубликовать свою статью, написанную по моей курсовой работе. Думаю, она будет интересна всем любителям живописи, а так же родителям.

Искусство играет значительную роль в формировании личности ребенка. Проблема приобщения молодого поколения к изобразительному искусству особенно остра в наши дни. Без преподавателя, который может заинтересовать детей и помочь им сориентироваться в пространстве культуры, они, возможно, так и не познакомятся с удивительным миром живописи, графики и скульптуры. В то же время классическое искусство, апробированное временем и наиболее полезное для формирования ребенка, вызывает все меньший интерес. Одна из причин этого — широкое распространение поп-культуры, более простой для восприятия, не требующей особых усилий со стороны зрителя. Массовая культура или поп-культура основана, во-многом, на развлечении и на освещении актуальных событий и явлений. Творческий потенциал произведений массвой культуры как правило не велик, они не затрагивают глубоко воображение и чувства людей. С другой стороны, художественные образы массового искусства нередко не пригодны для детского возраста, когда ребенок еще не умеет анализировать должным образом полученную информацию и может увлечься яркой формой, не замечая, например, аморальности поведения изображенных персонажей. Поэтому для развития ребенка все же благотворнее проверенные временем произведения искусства. Ведь классическое искусство формировалось по принципам отображения лучших черт окружающего нас мира. В противопоставлении массовому, оно отражает идеи гуманизма, привлекает внимание к человеку как к самому ценному, воспевает героизм, вызывая чувства любви к родине и ближнему, а также формирует неприятие насилия. Безусловно, общество меняется, его волнуют разные проблемы, а искусство отражает их словно зеркало. И невозможно отгородить ребенка от злободневных образов и событий, что было бы не правильно, но важно научить его ориентироваться во всем многообразии жизненных явлений, помочь найти свое в этом мире, в том числе и в мире искусства. Поэтому важно показать ребенку разнообразие и красоту произведений искусства, иначе поп-культура с ее вездесущностью будет лидировать. Таким образом, перед преподавателем искусства стоят непростые вопросы: как познакомить ребенка с классическим искусством прошлых веков, а также с произведениями модернизма и постмодернизма? Какое искусство больше подходит для цели художественного воспитания?

На примере искусства Древней Греции можно понять разницу между образами классического искусства и массовой культурой. Так, среди подрастающего поколения популярны комиксы и манга (японские комиксы). Яркие картинки, динамичный сюжет и скорость прочтения привлекают своей доступностью. Западные комиксы стали популярны после Второй мировой войны при зарождении массовой культуры. Образы комиксов достаточно упрощены, фразы понятны, зачастую используется сленг. Прототипами комиксов можно считать политические карикатуры в европейских газетах начала двадцатого века. Сюжеты комиксов нередко агрессивны, а образы героев навеяны древнегреческой мифологией. Однако, в культуре Древней Греции образы человека гармоничны и естественны. «Красота заключается в пропорциях частей тела, т. е. пропорции пальца к пальцу, пальца к сгибу, его — к ладони, ее — к локтю, локтя к плечу, и всех этих частей друг к другу, как написано это в «Каноне» Поликлета», — сообщает Гален [1]. Про героев комиксов и японской манги, особенно манги, можно сказать, что фигуры и черты лиц гипертрофированны и неестественны. Чем это опасно для неокрепшей психики ребенка? А тем, что у ребенка могут возникнуть комплексы из-за своей внешности, не вписывающейся в новые каноны красоты. Герои перекачены, а красавицы выглядят неестественно худыми. Акцент с красоты внутренней, духовной, смещен на внешнюю составляющую. Конечно, это негативно сказывается на формировании ребенка, так как перед глазами стоят «идеальные» образы с нечеловеческими пропорциями, которых невозможно достичь, не причинив ущерба себе. Классическое же искусство в произведениях скульптуры и живописи воспевает естественность, здоровье и гармонию. На это лучше всего и ориентировать ребенка.

Думается, что для гармоничного восприятия искусства полезно акцентировать внимание на преемственности между хорошим современным искусством и классикой, а не противопоставлять их. «С традицией восстанавливают связи, чтобы творить новое. Традиция обеспечивает, таким образом, непрерывность творчества» — как говорил композитор Игорь Федорович Стравинский [2, c. 37]. Например, картина «Герника» Пабло Пикассо отражает трагедию 1937 года, когда в ходе гражданской войны в Испании был уничтожен целый город.

картина «Герника» Пабло Пикассо

Если сравнить «Гернику» с произведением Франсиско Гойи «Третье мая 1808 года в Мадриде» (1814 г. ), то можно заметить преемственность между художниками. Картина Гойи отличается формой и выразительными средствами от полотна Пикассо, но события схожи. Художники через разные образы показывают ужасы войны и человеческие трагедии, но с одной целью — выразить протест против войны, рассказать о нейвсему миру, чтобы предотвратить ее повторение. Заметно, что некоторые образы перекликаются. Это человек с поднятыми руками; фонарь, освещающий темноту; испуганные лица людей. Таким образом, не смотря на внешние различия, картины имеют много общего.

Франсиско Гойя «Третье мая 1808 года в Мадриде» (1814 г.)

Еще один интересный пример преемственности — это произведение испанского сюрреалиста Хуана Миро «Голландский интерьер 1» (1928 г.), написанное по мотивам картины Хендрика-Мартенса Сорха «Лютинист» (1661 г.). Несмотря на следование Миро композиции голландского живописца XVII века, эти произведения очень различаются по колориту, формам и настроению. Так, картина Миро отражает настроение его эпохи, она динамична и контрастна, чувствуется напряженность, а голландская картина излучает гармонию и покой. Как писал Миро, он искал первоначальную форму и обращался даже к наскальной живописи. Таким образом, можно проследить взаимосвязь между авангардом, искусством XVII века и даже каменным веком.

Искусство символично отражает основные черты действительности, постоянно меняясь, используя новые выразительные средства. Искусство модернизма отказалось от традиционных представлений об эстетике, бросив вызов искусству прошлого. Ощущение незавершенности, постоянной изменчивости оставляет после себя произведение постмодернизма, являясь открытой семиотической системой. Восприятие такого современного искусства требует хорошей подготовки, так как для его понимания нужно иметь развитое образное мышление. Как же подготовить ребенка к восприятию такого искусства? Ведь оно настолько символично и условно, что интерпретация педагога, экскурсовода может подчас только нарушить понимание. Например, знаменитый «Черный супрематический квадрат» Малевича, основателя супрематизма, непрост для понимания школьника. Подобные произведения несут ценность как новая мысль в изобразительном искусстве; они двигают его вперед, находя новые формы. Тут важен контекст, внешние и внутренние факторы, на пересечении которых рождаются подобные произведения, вызывающие резонанс в сознании общественности, и значение которых важно в перспективе развития искусства. Поэтому осмыслить подобное произведение непросто без подготовки и знания контекста. Обычно дети и малоподготовленные люди говорят про это произведение, что они тоже способны так нарисовать, как бы обесценивая его. Однако, тут важна сама идея. Малевич встал на позицию полного разрыва с предметностью, подкреплённую декларированием чёрного квадрата как «первого шага чистого творчества в целом» [4, c. 5]. Задачей художника было завершить «вчерашний день искусства» и подчеркнуть принципиальную новизну своего открытия.

В связи с индивидуализацией и большей самобытностью, а также отсутствием канонов произведения такого искусства все больше зависят от личностных особенностей как их создателей, так и зрителей. Для полноценного восприятия такого искусства важно развивать в ребенке такие качества как рефлексия, ассоциативность, эмпатия. С одной стороны, восприятие такого искусства носит очень субъективный характер, ведь абстрактное изображение рождает у людей разные ассоциации. Однако, тем и увлекательнее процесс восприятия, поскольку человек обращается к собственному жизненному опыту, особенностям своего видения и в результате лучше понимает себя. Детям это дается проще, так как они не так скованы условностями. Получается, что с одной стороны детям понятнее классическое искусство, реалистичное изображение, но при правильном подходе педагога знакомство с подлинным современным искусством тоже может пройти достаточно полезно и многогранно. Педагог становится связующим звеном между ребенком и произведениями искусства. Он способен заинтересовать, направить своих учеников к их восприятию. Талант преподавателя в том, чтобы рассказать о произведении так, чтобы не навязывать свое личное отношение и свою интерпретацию, не перегружать избыточной информацией, а научить самостоятельно воспринимать искусство, пробудить у детей интерес.

«В общей школе искусство как мастерство должно стать не целью обучения, а средством очеловечивания человека.» — писал Б.М. Неменский [3, с. 5]. Изучение искусства необходимо не только будущим профессионалам творческих профессий, но и каждому человеку. Подход к уроку искусства должен иметь творческий характер. Искусство помогает обратить внимание детей на духовные ценности, сформировать их эстетический вкус, более тонкое восприятие мира. Учреждения культуры и образования должны направить внимание подрастающего поколения на изобразительное искусство, как на особый вид творческой деятельности человека, имеющий большое культурное значение. Общение с искусством пробуждает творческое начало в человеке, вдохновляя его на создание нового и на выражение себя. Ребенок знакомится с культурой разных эпох и прослеживает развитие человеческого общества, усваивая разные образы и формы художественного выражения, обусловленные различными факторами. Ребенок начинает видеть красоту окружающих предметов, чувствует форму и находит интересные сочетания цвета. Таким образом, изобразительное искусство, в большей степени классическое, но также и подлинное современное, играет значительную роль в развитии духовности человека, приобщении к культурному наследию и ценностям. Отображая действительность, искусство воздействует на внутренний мир ребенка, формируя образы, эмоции, мысли. И очень важно направить этот процесс и привить любовь к искусству.

Научный руководитель — кандидат культурологии, доцент.

Н. И. Макарова

Познакомьтесь с начинающими дизайнерами, определяющими современный авангард

В последние несколько лет мы видели, как многие молодые дизайнеры захватывают мир моды по одной коллекции за раз. Может быть, это была пандемия и переход к более цифровым стратегиям с введенными блокировками и ограничениями, или, возможно, у известных брендов не было ничего нового, чтобы предложить своим потребителям. Какой бы ни была причина, мы все благодарны за это. Это отвлечение внимания на инновационные и новаторские креативы стало благословением для фанатиков во всем мире.

Covid побудил многих дизайнеров обратить внимание на функциональность, а не на эксцентричность, но не на этих дизайнеров, поскольку они вовлекают нас в свои исследования фантасмагорических миров и персонифицированных вселенных. Теперь мы хотим обратить внимание на этих революционеров, дизайнеров, экспериментирующих с силуэтами и нашими представлениями о теле. Познакомьтесь с новаторскими креативщиками этого поколения, теми, кто меняет индустрию своими авангардными работами.

1 / 6

Терренс Чжоу

Terrence Zhou

Terrence Zhou

Terrence Zhou

Terrence Zhou

Terrence Zhou

Terrence Zhou (@bad_binch_tongtong)

нью-йоркский китайский мультидиссовый дизайнер и Artrence Lablesing Lablesing Lablesing Lablesing Lablesing Zastrongous Lableongous Lablesing Lableongous Lablesing Zardencileding Lablesing rablesing rablesing Zardensized Terrenge Lablesing rablesing raderensiredsing Zarless Lab. с его преувеличенными геометрическими узорами, которые играют с объемом и цветовыми блоками.

Чжоу начал получать степень бакалавра в области математики и инженерии, прежде чем нашел свое место в дизайне одежды. Получив степень в области моды в Школе дизайна Парсона и проработав год за границей в Сентрал-Сент-Мартинс, он является дизайнером, на которого стоит обратить внимание, когда дело доходит до стирания грани между одеждой и искусством.

Очарованный модернизмом, дизайнер избавляется от ненужных украшений и фокусирует свое внимание на форме одежды как на сути своего дизайна. Вдохновленный идеализированным миром и моментами его жизни, его чувства и эмоции органично воплощены в его работах. Это то, что связывает Чжоу с его аудиторией.

Решив подчеркнуть индивидуальность и креативность, он превращает одежду в скульптуры тела, состоящие из грушевидных костюмов-баллонов и платьев с двойными кольцами. Это его необычный и экстраординарный взгляд на моду, какой мы ее знаем. Вопреки сезонному календарю моды, его изделия выпускаются время от времени.

Дизайнер документирует свои творения в Instagram, где у него появилось огромное количество подписчиков. Он часто собирается вместе со своими друзьями в своей нью-йоркской квартире, чтобы поэкспериментировать со своими проектами, создавая контент и загружая его в свои социальные сети. Создавая безграничное пространство без фильтров и ограничений, он может представлять себя так, как хочет, носить все, что ему нравится, и создавать дизайн без разбора.

Терренс Чжоу

Чжоу описывает свой лейбл Bad Binch TONGTONG тремя простыми словами: «юмористический, духовный и личный». Возможно, его работа предназначена не для масс, а для тех предприимчивых душ, которые хотели бы раскачать жемчужно-белую акулу, объемные платья с обручем и преувеличенные чайные шляпы можно приобрести в его интернет-магазине.0003

Что еще приготовила для нас самая крутая модница? Он раскрывает нам секрет: «Честно говоря, после четырех лет работы в моде я никогда не думал, что хочу работать в моде или в каких-либо брендах. Я думаю, что самое интересное для молодых дизайнеров — это разрушить и оптимизировать систему, — продолжает он, — чтобы такие увлеченные люди, как я, могли увидеть различные возможности помимо того, что доступно в устоявшейся системе, которую многие из нас не видят. Я не обязательно соглашаюсь. Это конечная цель для меня».

1/4

Грегори Ojakpe

Грегори Оджакпе

Грегори Оджакпе

Грегори Оджакпе

Грегори Оджакпе (@gregojakpe)

292020202 гр. коллекция представлена ​​в Central Saint Martin’s, хижине для инновационных и начинающих молодых дизайнеров. Коллекция под названием «Биоморфный сюрреализм» присудила ему стипендию Фонда Сарабанды.

Любовь дизайнера к моде началась в возрасте 6 лет с одержимости печально известным произведением Анри Матисса, Улитка . Он вспоминает: «Я был одержим идеей абстрактного изображения и бесконечными способами интерпретировать, казалось бы, случайный набор линий, знаков, форм и текстур на странице».

Оякпе оттачивал свои замысловатые трикотажные и текстильные изделия, разрабатывая новые техники, которые легли в основу его выпускной коллекции. Выбор, который он создал, состоял из скульптурных и тканых шнуров, превращенных в эластомер для создания форм в ткани, которые дополняют уникальные силуэты, черпая большую часть его вдохновения в изобразительном искусстве, скульптурах и детских увлечениях.

Грегори Оякпе

Грегори Оякпе

В коллекции есть отсылки к известным скульпторам, таким как Генри Мур и Барбара Хепворт, особенно к сюрреалистическим зверям, которые составляют произведение Макса Эрнста Варвары . Дизайнер подчеркивает, что основу его творческого видения составляют следующие основные элементы: мастерство, фантазия, сюрреализм и индивидуальность.

Будучи дизайнером трикотажных изделий, специализирующимся на трехмерных конструкциях тканей, Оякпе всегда был очарован автоматизмом. Он рассказывает нам, как это началось, оглядываясь назад на свое детство: «Я начал создавать произведения искусства, используя различные техники создания меток, позволяя моим меткам определять, каким будет изображение», — добавляет он, — «В то время я просто экспериментировал. как дети, но теперь, оглядываясь назад, я говорю, что это было началом моих отношений с концепцией истинного автоматизма». Это позволило ему играть с формами своей одежды, создавая, когда он складывает, закалывает и драпирует вязаные ткани, создавая необычные изделия.

1/8

Cha Myung

Cha Myung

Cha Myung

Cha Myung

Cha Myung

Cha Myung

Cha Myung

Cha Myung

CHA Myung (@cha_my

Myung

Myung (@cha_my)

Myung

2 дизайнер женской одежды и основатель одноименного лейбла Cha Myung. Родившаяся и выросшая в Аньяне, Южная Корея, Мён выросла в окружении архитектуры из-за карьеры своего отца. Неудивительно, что при разработке ее коллекций они в значительной степени вдохновлены постмодернистскими архитектурными теориями, такими как модернизированный деконструктивизм.

В 21 год Мён поступила в Школу дизайна Парсона в Нью-Йорке, где получила степень бакалавра в области дизайна одежды. Прокладывая свой путь начинающего дизайнера, она получила степень магистра женской моды в Central Saint Martins.

Во время изоляции Мён придумала свою осенне-зимнюю коллекцию под названием «Путешествие в поисках комфорта». Она экспериментировала с подушками и подушками как с одеждой и с тем, как они «покрывают» тело, для другого, но буквального взгляда на домашнюю одежду. Для этой коллекции дизайнер создал 22 предмета одежды, которые предлагают такой же комфорт и удобство, но превосходят наше коллективное представление об одежде. Кусочки напоминают 19Образы Commes des Garçons 90-х и скульптуры Барбары Хепворт.

Ча Мён

Ча Мён

Мён гармонизирует геометрические формы и естественные формы человеческого тела, чтобы найти баланс между ними. Она избавляет свою одежду от ненужных украшений и сосредотачивает внимание на деталях, составляющих основу ее бренда. Она заявляет: «Я создаю мягкие структуры и надеваю их на людей и вижу, как они движутся и работают с ними, что меня очень очаровывает», добавляя: «Мода позволяет мне исследовать свою личность и отражать ее, чтобы решать творческие задачи».

Под влиянием ее любимого художника, Ле Корбюзье, его визуализация женского тела в его картинах была ее увлечением. На вопрос, почему его работы важны для нее, она отвечает: «Я не чувствовала никакого чувства эротики или сексуализации, которые были необходимы в изображении женственности и женского тела на картинах того времени».

Cha Myung — это бренд, который исследует, что значит быть женщиной, и помогает идеализировать образ с помощью минималистичных, но смелых силуэтов для создания одежды, которая вырывается из существующей женской одежды. Бренд не стремится переопределить женственность, а хочет сформировать новый образ современной женщины и придать жизненную силу женскому телу.

«До сих пор я больше фокусировался на концептуальной стороне, а не на удобстве носки, потому что выражение того, что я хочу сказать, через моду мотивирует меня продолжать и развивать свою работу. В коллекции «Путешествие в поисках комфорта» есть одежда, которую в реальной жизни может быть неудобно носить из-за большой и громоздкой формы. Но есть и модели, которые достаточно удобны для повседневной носки. В будущем я хочу создать коллекцию, которая будет более развита как с точки зрения носки, так и с точки зрения концепции».

1/7

Izzy Du

Izzy du

Izzy du

Izzy du

Izzy du

Izzy du

Izzy du

Izzy du (@izzydu)

Born Bornu in chricegdu in rucegdu in rucegdu in chricegdu in rucked in ruckid в Канаде Иззи Дю был назван одним из новых Антверпенских 6. Дю недавно окончил Королевскую академию изящных искусств в Антверпене, получив степень в области дизайна одежды. Однако перед тем, как отправиться в Бельгию, дизайнер закончила свой базовый год в Central Saint Martins, где она смогла полностью погрузиться в свою страсть.

Ее высококлассный совместный лейбл Izzy Du уделяет особое внимание качеству, инновациям и вкусу. Качество ощутимо выражается в материалах, создании и подгонке, а также в концепции, оригинальности и идее. Бренд стремится быть визуально стимулирующим, нетрадиционным и глотком свежего воздуха для всех нас. «В сложности я ищу максимальную простоту», что как нельзя лучше отражает суть работы дизайнера.

Ее последняя коллекция, на создание которой ушло семь месяцев, состоит из умной одежды, изготовленной из волокон, способных работать на солнечной энергии, и гидрофобных технологий. Это помогло создать бросающие вызов гравитации и преувеличенные силуэты, которые она любит называть «пригодной для носки энергией». Когда ее спросили, какие материалы она выбрала, Ду ответила: «Задумываясь о будущем, наша цель — революция в одежде и стратегиях изменений. Чтобы не только удовлетворить нашу насущную и острую потребность в реставрации за счет инноваций и полезности, но и превзойти это в геометрической прогрессии».

Izzy Du

Izzy Du

Одежда, или произведение искусства, сочетает в себе застывшие движения драпировки и неструктурированных материалов, чтобы создать размерный контраст между одеждой и негативным пространством, которое она создает. «Присутствие и отсутствие света и теней превращают мягкий спектр видимости между светимостью, прозрачностью, полупрозрачностью, отражательной способностью в непрозрачное свечение», — утверждает Иззи.

Дизайнер рассказывает нам, как она хочет осчастливить людей своими творениями, вызывая сильные эмоции «в чрезмерно возбужденном мире». Ее работа — это физическое сохранение мгновений, ее внешнее выражение в отказе от физических ограничений традиционной одежды и призыв к нюансам и творчеству. Она решает эту задачу по одной коллекции за раз.

1 / 9

Ryunosuke Okazaki

Ryunosuke Okazaki

Ryunosuke Okazaki

Ryunosuke Okazaki

Ryunosuke Okazaki

Ryunosuke Okazaki

Ryunosuke Okazaki

Ryunosuke Okazaki

Ryunosuke Okazaki

Ryunosuke Okazaki (@ryunosuke.okazaki )

Родившийся в Хиросиме, Рюноскэ Оказаки – японский дизайнер высокой моды, живущий в Токио, который воплощает трагическую историю своего родного города в своих авангардных проектах. Он окончил Токийский университет искусств в 2021 году и с тех пор создал поразительные работы, в которых высоко ценится японская культура.

Оказаки представил свой дебютный показ на Неделе моды в Токио в начале прошлого года, посвященный таким радикальным темам, как «Молитва», «Дзёмон-Дзёмон» и «Автоматизм». Все его предыдущие работы составили его дебютный сборник под названием «000». Первый показ Окадзаки на подиуме повторяет темы его работ, начиная с учебы в университете и заканчивая его последними работами.

Его выпускная коллекция под названием «Дзёмондзёмон» черпает вдохновение, как вы уже догадались, из керамики эпохи Дзёмон и синтоизма, древней японской религии. Керамика Дзёмон использовалась для передачи надежды на жизнь и страха смерти, которые дизайнер переосмыслил для своей коллекции. Витрина — это ода жителям Хиросимы, которые вели мирную жизнь.

Эти идеи воплощаются в силуэтах его глиняной посуды, использовании ребристых материалов и легкого трикотажа. Эластичные свойства ткани вшиты в костяную ленту или переплетены, чтобы создать красивые изогнутые и жесткие линии, напоминающие керамику Дзёмон.

Рюноскэ Окадзаки

Рюноскэ Окадзаки

Мир является преобладающей частью Хиросимы и включен в их молитвы. Дизайнер — один из них. Оказаки объясняет: «Поскольку я продолжал работать над темой «Молитвы о мире», меня заинтересовала глубина отношений между людьми и молитвой».

Акт поиска Бога в природе и акт молитвы являются распространенными аспектами в японской культуре и могут быть прослежены до столетий назад, Окадзаки говорит: «Я чувствую, что это один из самых примитивных актов в наших отношениях с природой, Он добавляет: «Меня вдохновляют идеи и украшения, возникшие в результате этих отношений между природой и человеком». Так родилась его коллекция «Контуры природы», поклонение природе через формы, повторяющие органические формы, найденные во всем мире. вокруг нас. Наполненные очертаниями, которые подчеркивают лепестковые цветы, в этой линии сосуществуют богатые оттенки насекомых и движения морских обитателей. Описывая эту коллекцию, Окадзаки выражает: «Люди, одетые в элементы природа, подражая природе и возвращаясь к природе, которая циркулирует, оживает в их голове». Действительно, кажется, что одежда творца оборачивает тело так, что оно сливается с природными контурами9.0003

Его последняя коллекция, получившая название «Автоматизм», состоит из восьми скульптурных предметов одежды, вдохновленных сюрреалистическим художественным методом автоматизма — в частности, автоматическими экспериментами Андре Бретона. Выкройки и формы одежды создаются на швейной машине Оказаки, поскольку дизайнер предпочитает не делать наброски, потому что это ограничивает его воображение. Вместо этого он играет с цветами и формами; тем не менее его творения не произвольны. Каждое изделие рассматривается с особой тщательностью, начиная с материала и заканчивая цветовой палитрой.

Лейбл — это не только модный бренд, но и место, где дизайнер может выражать личные и художественные идеи через одежду; его любовь к природе, его интриги с Богом и религией, его идеи мира и его исследования людей и молитв. Глядя на его работы, мы видим связь и чувства, воплощенные в каждом произведении. Мы погружаемся в природу и эмоции дизайнера, нереальные, но органичные.

Александр МакКуин: Дикая красота — О выставке

Портрет Александра МакКуина, 19 лет97. Фото Марка Хома. © Marc Hom/Trunk Archive

14 марта — 2 августа 2015 г.

«Я романтический шизофреник»
— Ли Александр МакКуин (1969–2010)

Лихое творчество Александра МакКуина выражалось в техническом мастерстве его проектов и драматическая интенсивность его показов мод. Опираясь на авангардные инсталляции и перформансы, они также были подчеркнуто автобиографичны. МакКуин бесстрашно бросил вызов условностям моды. Редкий среди дизайнеров, он видел не только физические ограничения одежды, но и ее концептуальные и творческие возможности.

Снова и снова эффектные презентации МакКуина на подиуме высвобождали сильные чувства как неотразимые источники эстетического опыта. В духе романтизма неограниченная эмоциональность поддерживала его глубокое понимание красоты. Вызывая чувства шока и благоговения, связанные с Возвышенным, его мрачные фантазии вызывали тревожное удовольствие, в котором смешались удивление и ужас, недоверие и отвращение.

Романтическая чувствительность МакКуина подтолкнула его творчество и продвинула его моду в направлениях, невообразимых и беспрецедентных. Его индивидуалистическое и вызывающее видение было дополнено острым чувством времени и места, а также озабоченностью экзотическим и диким. Пропущенная сквозь мощную современность работа Маккуина была, прежде всего, обусловлена ​​его увлечением красотой и дикостью мира природы.

Лондон

«Вы черпаете вдохновение на улице, когда брюки такие низкие. Вам не нужно ехать в Индию, вы можете найти его в таких местах, как Бетнал-Грин или Брик-лейн. Это повсюду’
— Александр МакКуин

©Музей Виктории и Альберта, Лондон

Лондон был сердцем мира Маккуина. Сын таксиста, он вырос в Ист-Энде и бросил школу в 15 лет, чтобы стать учеником портного на Сэвил-Роу в Мэйфэр. В 1990 году он поступил на престижный курс MA Fashion в Central Saint Martins. Уже будучи высококвалифицированным и изобретательным портным, здесь он научился быть модельером, черпая вдохновение из истории Лондона, его музеев мирового класса и зарождающейся сцены BritArt.

Работая с небольшой, сплоченной командой и с очень небольшим бюджетом, он создал серию увлекательных и провокационных шоу, действие которых происходило в суровых промышленных районах столицы. Характерное для МакКуина сочетание традиции и ниспровержения было очевидно с самого начала: брюки «бамстер», строгие сюртуки, ржавые ткани, порезанная кожа и рваные, обнажающие плоть кружева. Он вспоминал: «В лондонской моде было так много репрессий. Его нужно было оживить».

«Я вырос в Лондоне. Это место, где живет мое сердце и где я черпаю вдохновение»
— Александр МакКуин

Дикий разум

«Нужно знать правила, чтобы их нарушать. Вот для чего я здесь, чтобы разрушить правила, но сохранить традицию». воображение. В этом он был образцом романтической личности, героем-художником, который стойко следовал велениям своего вдохновения. «То, что я пытаюсь привнести в моду, — это своего рода оригинальность», — заметил он однажды.

МакКуин наиболее полно выразил эту оригинальность в своих методах огранки и конструирования. Они были одновременно новаторскими и революционными. Он был настолько уверенным дизайнером, что его формы и силуэты были созданы из его самых ранних коллекций и оставались относительно постоянными на протяжении всей его карьеры. Говоря о своем раннем обучении на Сэвил-Роу в Лондоне, МакКуин сказал: «Все, что я делаю, основано на пошиве одежды».

©Музей Виктории и Альберта, Лондон,

Этот подход к моде, однако, сочетал в себе точность и традиции пошива и изготовления моделей с импровизацией драпировки и пошива одежды. Этот подход стал более утонченным после того, как он стал креативным директором Givenchy. в Париже. Именно этот способ работы, одновременно строгий и импульсивный, дисциплинированный и непринужденный, лежит в основе необычности и неповторимости МакКуина.

«Я хочу быть поставщиком определенного силуэта или способа кроя, чтобы, когда я умру, люди знали, что двадцать первый век начал Александр МакКуин».
— Александр МакКуин

---

© Музей Виктории и Альберта, Лондон

Готический разум

«Люди иногда находят мои вещи агрессивными. Но я не считаю его агрессивным. Я вижу в этом романтику, имеющую дело с темной стороной личности».
— Александр МакКуин

Одной из определяющих черт коллекций Александра МакКуина был их историзм. Хотя исторические ссылки МакКуина были далеко идущими, его особенно вдохновлял девятнадцатый век, особенно викторианской готики. «Есть что-то от Эдгара Аллана По, — заметил он однажды, — что-то глубокое и меланхоличное в моих коллекциях». ) часто ярко присутствуют в коллекциях Маккуина. Подобно викторианской готике, сочетающей в себе элементы ужаса и романтики, коллекции МакКуина часто отражали парадоксальные отношения, такие как жизнь и смерть, свет и тьма, меланхолия и красота.

© Музей Виктории и Альберта, Лондон

«Должен быть зловещий аспект, будь то меланхолия или садомазохизм. Я думаю, что у каждого есть глубокая сексуальность, и иногда хорошо использовать ее немного, а иногда и много, как маскарад». у древних африканских племен и в том, как они одеваются. В коллекциях много трайбализма».
— Александр Маккуин

На протяжении всей своей карьеры Александр МакКуин часто возвращался к теме примитивизма, основанной на фантазии благородного дикаря, живущего в гармонии с миром природы. Эшу (осень/зима 2000 г.) был вдохновлен одним из самых известных божеств мифологии йоруба. Используя такие материалы, как волосы, бусины, латекс и грязь, МакКуин наделил одежду фетишистскими качествами. «Это джунгли снаружи» (осень/зима 1997–1998 гг.) был основан на теме «Газели Томсона». Коллекция представляла собой размышление о динамике власти, в частности о диалектических отношениях между хищником и добычей.

©Музей Виктории и Альберта, Лондон

Размышления Маккуина о примитивизме часто представлялись в парадоксальных сочетаниях, противопоставляя современное и примитивное, цивилизованное и нецивилизованное. Сюжетная линия Irere (весна / лето 2003 г.) связана с кораблекрушением в море и населена пиратами, конкистадорами и амазонскими индейцами. Как правило, повествование Маккуина прославляло естественное состояние и склоняло моральный баланс в пользу «естественного человека» или «природного джентльмена», свободного от искусственных конструкций цивилизации.

«Животные очаровывают меня, потому что вы можете найти силу, энергию, страх, которые также существуют в сексе.»
— Александр Маккуин

---

Романтический национализм

«Я патриот Шотландии, потому что я думаю, что это попал в очень тяжелую руку. Он продается во всем мире как хаггис и волынка. Но никто никогда ничего не кладет в него обратно.
— Alexander McQueen

©Музей Виктории и Альберта, Лондон

Коллекции Александра МакКуина были сформированы вокруг тщательно продуманных повествований, которые были глубоко автобиографическими и часто отражали историю его предков, особенно его шотландское наследие. Действительно, когда его однажды спросили, что для него значат его шотландские корни, дизайнер ответил: «Все». Национальная гордость МакКуина наиболее очевидна в фильме «Вдовы Каллоден» (осень/зима 2006 г.), который был основан на финальной битве восстания якобитов в 1745 году. Коллекция была задумчивой, с изображением тартана Маккуина, кружева и преувеличенных силуэтов, вдохновленных викторианскими стилями. Грандиозная коллекция, она представила катарсис антиромантизма его более ранней коллекции Highland Rape из 1995. Послание Маккуина, однако, оставалось демонстративно политическим: «То, что британцы там сделали, было не чем иным, как геноцидом». интерес к истории Англии. Возможно, это было наиболее очевидно в фильме «Девушка, которая жила на дереве» (осень/зима 2008 г.), вдохновленном вязом в саду загородного дома МакКуина недалеко от бухты Фэрлайт в Восточном Суссексе. Созданная под влиянием Британской империи и основанная на недавней поездке Маккуина в Индию, это была одна из самых романтично-националистических коллекций Маккуина, хотя и с сильным оттенком иронии и стилизации.

‘Как место для вдохновения Британия – лучшее место в мире. Вас вдохновляет анархия в стране».
— Александр МакКуин

---

Кабинет редкостей

«Я нахожу красоту в гротеске, как и большинство художников. Я должен заставить людей смотреть на вещи».
— Александр МакКуин 

Эмоциональная насыщенность выступлений Маккуина на подиумах часто была следствием взаимодействия диалектических противоположностей. Отношения между жертвой и агрессором были особенно очевидны, особенно в аксессуарах. Однажды он заметил: «Мне нравится этот аксессуар из-за его садомазохистского аспекта».0187

©Музей Виктории и Альберта, Лондон

Эта позиция была ярко выражена в «Кабинете редкостей» выставки, посвященном атавистическим и фетишистским атрибутам, созданным МакКуином в сотрудничестве с рядом дизайнеров аксессуаров, включая модистку Филипа Трейси. и ювелир Шон Лин. В «Кабинет» также вошли выставочные образцы, одноразовые творения, созданные для подиума, но не предназначенные для производства. МакКуин использовал все виды материалов, нанимая опытных резчиков по дереву, кожевников, протезистов, специалистов по стеклу, вышивальщиц и перьевых мастеров, чтобы помочь реализовать свое видение.

©Музей Виктории и Альберта, Лондон

---

Романтическая экзотика 

«Как дизайнер, вы обходите каждый уголок и щель в поисках вдохновения. Я получаю больше вдохновения от индивидуальности региона, чем от фактического этнического происхождения, я думаю, что это важнее для эволюции любого дизайна».
— Александр МакКуин

© Музей Виктории и Альберта, Лондон

Романтические чувства Александра МакКуина расширили его воображаемые горизонты не только во времени, но и в пространстве. Как и для художников и писателей романтического движения, соблазн экзотики был центральной темой коллекций МакКуина. Его экзотика была широкомасштабной. Африка, Китай, Индия и Турция были местами, которые будили его воображение. Япония была особенно значима как тематически, так и стилистически. Кимоно, в частности, было одеждой, которую дизайнер бесконечно переделывал в своих коллекциях.

Действительно, экзотика Маккуина часто была формой творческого перевода. Говоря о направлении своей моды, он однажды заметил: «Моя работа будет заключаться в том, чтобы брать элементы традиционной вышивки, филиграни и мастерства из стран всего мира. Я буду изучать их ремесла, узоры и материалы и интерпретировать их по-своему».

©Музей Виктории и Альберта, Лондон

Но, как и во многих его темах, экзотика Маккуина часто выражалась в противопоставлении противоположностей. Так было в случае с «Это всего лишь игра» (весна/лето 2005 г.), шоу, организованном как игра в шахматы, вдохновленным сценой из фильма «Гарри Поттер и философский камень» (2001 г.), в котором Восток (Япония) противопоставляется Западу. (Америка).

‘Мода может быть действительно расистской, рассматривая одежду других культур как костюмы. Это обыденно и старо. Давайте сломаем некоторые барьеры».
— Alexander McQueen

---

Voss

«Речь шла о попытке уловить что-то, что не было традиционно красивым, чтобы показать, что красота исходит изнутри»
— Alexander McQueen

VOSS (весна/лето 2001 г. ), также известный как Шоу «Убежище» было организовано внутри огромной двусторонней зеркальной коробки. Перед началом шоу зрители отражались в стекле, но как только оно началось, пойманные в ловушку модели не могли видеть наружу.

©Музей Виктории и Альберта, Лондон

В коллекции было несколько экзотических предметов одежды, в том числе пальто и платье с аппликацией в виде кругляшек в форме хризантем. Хрупкое кроваво-красное платье из стекла и страусиных перьев предлагало размышление о быстротечности жизни, а тепловое изображение лица дизайнера было вплетено в ткань шелкового пальто.

Финал был вдохновлен фотографией Джоэла-Питера Уиткина под названием «Санаторий» (1983), на которой была изображена сладострастная женщина, соединенная через дыхательную трубку с чучелом обезьяны. На подиуме МакКуина роль исполнила писательница-фетишистка Мишель Олли.

Типичный для коллекций McQueen, VOSS предлагает комментарий к политике внешнего вида, переворачивая общепринятые идеалы красоты. Для МакКуина тело было местом правонарушения, где нормальность подвергалась сомнению, а зрелище маргинальности принималось и прославлялось.

‘Это связано с политикой в ​​мире, с тем, как устроена жизнь, и с тем, что такое красота.’
— Александр МакКуин

---

Романтический натурализм

«Я всегда любил механику природы, и в большей или меньшей степени моя работа всегда основана на ней».
— Александр МакКуин

Природа оказала наибольшее или, по крайней мере, самое продолжительное влияние на Александра МакКуина. Это также была одна из центральных тем романтизма. Многие художники романтического движения представляли саму природу как произведение искусства. МакКуин как разделял, так и продвигал эту точку зрения в своих коллекциях, которые часто включали в себя модели, заимствовавшие свои формы и материалы из мира природы.

©Музей Виктории и Альберта, Лондон

Но для МакКуина, как и для романтиков, природа также была средоточием идей и концепций. Он часто играл на преобразующей силе одежды. В The Widows of Culloden (осень/зима 2006 г.) платье, созданное полностью из перьев фазана, наполняло обладательницу птичьей красотой, а платье от VOSS, инкрустированное бритвенными раковинами моллюсков (весна/лето 2001 г.), образовывало хрупкий панцирь. Сарабанда (весна/лето 2007 г.) включала в себя как шелк, так и настоящие цветы, которые увяли, упав на подиум.

‘Вещи гниют. Я использовал цветы, потому что они умирают. В то время мое настроение было мрачно-романтическим».
— Александр МакКуин

---

Атлантида Платона

«Атлантида Платона предсказала будущее, в котором ледяная шапка растает, воды поднимутся и жизнь на Земле должна будет развиваться, чтобы снова жить под водой или погибнуть. Человечество вернется туда, откуда оно пришло.»
— Александр МакКуин

Влияние природы на творчество МакКуина наиболее ярко отражено в «Атлантиде» Платона (весна/лето 2010 г. ), последней полностью реализованной коллекции дизайнера, представленной перед его смертью. в феврале 2010 г. Вдохновленный книгой Чарльза Дарвина «Происхождение видов» (1859 г.), он представил повествование, сосредоточенное не на эволюции человечества, а на его деволюции. МакКуин создал сложные цифровые принты, вдохновленные морскими существами, и представил высокие ботинки Armadillo. Графическим фоном стал фильм, в котором модель Ракель Циммерман мутирует в полуводное существо.

©Музей Виктории и Альберта, Лондон

Для романтиков природа — звездное небо, бурные моря, бурные водопады, головокружительные горы — была основным средством передвижения для возвышенного. В «Атлантиде» Платона этот возвышенный опыт природы был совмещен и вытеснен опытом технологий и крайним сжатием пространства-времени, произведенным цифровым веком. Коллекция транслировалась в прямом эфире через Интернет на SHOWstudio Ника Найта, чтобы превратить моду в интерактивный диалог между создателем и потребителем.